“A Very English Scandal”(2018) La diversión del partido liberal y la BBC

 

Hay que reconocer que la nueva televisión del streaming está con el cuchillo entre los dientes. El jugador por excelencia y gran capó de este negocio es Mr Hastings y su imperio de Neflix. Bien, HBO, sigue con su programación semanal de estrenos y en el resto del mundo ha optado por la tecnología de los californianos que hace milagros. El Outsider de Hulu, siendo la más pequeñas de todas, ahora mismo, hay hostias por firmar acuerdos de distribución de sus producciones. Caso del “Cuento de la criada” en España que los abonados patrios ven en HBO Spain. ¿Pero, creo que nos estamos olvidando de un jugador que tiene barra libre y silla vip en la partida de la nueva ficción del S. XX? Sí, queridos amigos, se lo están imaginando. Hablamos del hombre más rico del planeta, ese tipo que tiene aspecto de calvo del anuncio de la lotería y ancestros de origen español: Mr. Bezos. Y muy mala fama entre sus trabajadores del empaquetado. Su plataforma Amazon Prime, lo está petando con producciones de luxe y creadores de gran pedigrí caso de las exitosas Homecoming de Sam Esmail y Julia Roberts, la grandiosa The Looming Tower, The Romanoffs con Matthew Weiner, el pelotazo del nuevo Jack Ryan(con nuevo héroe, el actor John Krasinski). Ahí están The Purge de James DeMonaco o sus bizarras; Dietland o Bite Made in Germany. Así como la aclamada en los últimos Emmys The Marvelous Mrs. Maisel. Sus convenios de coproducción la ingeniosa y prestigiosa HBO, ha dado dos joyas, McMafia y ahora La miniserie “A very English Scandal” es un producto impactante, divertido, basado en hechos reales y con un guion muy bien escrito. Es evidente, que el binomio Amazon y BBC, se sienten cómodos. Al igual que la dupla: Stephen Frears y Russell T. Davies. Como sugiere el título, A Very English Scandal está plagado de síntomas y símbolos del British Establishment. Hago el inciso de que esta miniserie hay que tener muy claro que hay que verla para ser creída. Es la adaptación de la novela del mismo título, escrita por John Preston, y adaptada por Russel T. Davies. Una ficción de tres horas o partes que tiene muchos perros y mucha política. Además de un buen puñado de aristócratas dandis que regatearon en Cambridge y de largos almuerzos en el Carlton Club. También hay jornadas de caza a la búsqueda de la liebre o conejo de turno. Una carne muy apreciada por fino paladar del Gentleman de la campiña británica. Y, lo que es más prominente, tiene un gran relato central, donde un político ambicioso —educado en el Eton College y con un sombrío armario— que conspira para asesinar a su ex amante mediante un escuadrón de sicarios aficionados, que terminó en uno de los complots más surrealistas y chapuceros de la historia política del Reino Unido de este último siglo XX.

 

Vemos a lo largo del trayecto ligeras trazas del Fargo televisivo de Noah Hawley. Además de un barnizado de la legendaria “Un hombre en casa” (1973), pidiendo un poco de crema batida y algunos pepinillos al Sr. Roper. Vamos que si somos honestos; hay más de dos horas de “partidón de caja”. Hacía mucho tiempo que no me reía tanto con una serie y todo ello se debe: al extraordinario guion de Russell. T. Davies (Doctor Who, Queer as Folk) y los actores Hugh Grant (About A Boy) y Ben Whishaw (El perfume,London Spy). Detrás de la cámara uno de los grandes directores británicos de los 90, como el ácido, y, estiloso Stephen Frears (The Queen, etc.). Bien, en todo este complejo y estrafalario affaire hay algo muy british, que lleva en su ADN, el touch de la ejemplar BBC. Nadie, en el mundo, occidental tiene tanto orgullo y satisfacción por el significado de un organismo público, audiovisual y al servicio de los contribuyentes, puede estar tan orgulloso de semejante sitio. Esto va por el bochorno, expolio y fraudulenta TVE. Cuando a los popes —de turno— se les llena la boca de mazapán de Soto del Real y beluga venezolano, reivindicando, la épica TVE bendecida por la bestia del valle. No obstante, el viaje que les presento, está muy lejos de toda algarabía soporífera y mareante de la TDT. En la televisión de luxe, uno puede disfrutar y encontrar formas de concebir nuevos conceptos audiovisuales y ahí es, donde “A Very English Scandal” (2018), nos atrapa y encandila. Desde pequeñas cosas, tan sencillas y cercanas, como el formato. 120 minutos. Es decir, 60 minutos por capitulo y sabiendo que te quedan dos, no podrás hacerte el remolón o poner cualquier excusa de turno, para decir, voy a ver fantasmas familiares en Netflix. No esto es una grandísima serie. Segunda razón, hablamos de una gran historia real; disparatada y desgarradora.  Y en tercer lugar, unos actores en estado de gracia: Hugh Grant (el premier liberal Jeremy Thorpe) y Ben Whisahw (el agredido y desdichado gay moralmente y físicamente lenguaraz). Repito, si hay dos Bafta al mejor actor de serie de TV Made in UK; aquí tienen a los favoritos. El escándalo de la auténtica vida de Jeremy Thorpe, el líder del Partido Liberal británico, consumió los periódicos a fines de la década de 1970, cuando fue acusado y juzgado por intentar organizar el asesinato de Norman Scott. Hugh Grant se presenta, de un modo intrigante, como un Jeremy Thorpe, poliédrico y retratando la cordialidad del carisma del joven político. A veces, uno no llega a diferenciar al personaje y el político. Así como su determinación, en la toma de riesgos y su consabido sentido de estado. Lo que no siempre es evidente, principalmente, por el humor de la escritura del libro original. Es el tipo de malevolencia y desesperación que podría obligar a un hombre a tratar de que maten a otro hombre. En el fondo un ser humano, al que como autoridad representativa de los ciudadanos, es un británico más con sus virtudes y defectos. Empero, hay destellos homicidas, en los ojos de Grant que no puede evitarlos. Pero es aún más persuasivo al transmitir la devastación del propio Jeremy Thorpe. Su plan de asesinato que confabula; se vislumbra con ligereza y frivolidad. Acotaciones que lo pueden hacer más difícil de entender. Si bien, no es tan complejo. Pero si se trabaja la decapación del visionado con mesura y atención verán escorzos imprevisibles.

 

 

El pobre Scott, interpretado, por Ben Whishaw muestra hábilmente que es el hombre más joven, tanto físicamente, como intelectualmente. Todo lo opuesto a Thorpe como su compañero sentimental. Scott se ve representado al principio de la historia como un fantasma inestable; que parece chantajear repetidamente a Thorpe (éste le llega a escribir a la madre de JT una carta de siete páginas que incluía detalles sobre su affair). Lo que Scott y Thorpe parecen tener en común es la capacidad de mantener a otros en la esclavitud, confiando sobradamente, en sus ingeniosas capacidades para manipular a las personas. Empero, Whishaw también transmite el deseo de Scott de ser amado, y cómo su enojo va a más; por la forma en que Thorpe lo ha tratado. Un tacto falso e hipócrita —que está más cercano de la tristeza— que con la verdadera venganza. La comprensión limitada de JT de su propia sexualidad se basa puramente en actos físicos: no parece tener la capacidad o el lujo de imaginar que los hombres puedan realmente amarse unos a otros. Luego está el ejercicio de disección de uno de los momentos más oscuros de las recientes desventuras políticas del Reino Unido. A Very English Scandal es una obra festiva. Muy divertida y tremenda. En menos de tres horas, incluye todos los puntos focales de los tabloides relevantes (el comentario del “perro enfermo”, los pequeños delincuentes ingeniosos, la tarjeta infernal de la Seguridad Social británica). Pero es más efectivo para mostrar lo trágico e innecesario que fue todo el asunto de Thorpe, convirtiendo el fanatismo público en vergüenza privada en una mortificación y su correspondiente ritual. En la corte, Scott sostiene que nunca le importó el dinero de Thorpe. Lo que sí le importa, dice, es cómo “todos los libros de historia se escriben con hombres, como yo, desaparecidos”. Es un placer ver a estos dos grandes actores británicos encontrarse sin tener que hacerlo por medio de doblajes de voces u otras tramoyas del gremio. La serie recuerda a los espectadores aquel apuesto progresista político que podría haber tenido una carrera política mucho más exitosa si se hubiera unido sus escaños con el Partido Conservador, como se esperaba que hiciera alguien de su nacimiento y clase. Como liberal en el sistema electoral británico, Thorpe, sólo tuvo una pequeña esperanza de poder parlamentario, más allá de ser una cuña entre los dos partidos dominantes, los conservadores y los laboristas. Lo que él también era, según el retrato en “A Very English Scandal”, era un hombre homosexual, encerrado en un momento en que ser abiertamente gay estaba más allá de los límites. Todo ello, muy condicionado, a las aspiraciones personales de una carrera en Westminster y la vida pública. Sin embargo el ingenio del maravilloso guion de Davies llega a un momento supremo. En ese instante, donde la aristocrática segunda esposa de Thorpe, Marion (Monica Dolan), le pregunta con frialdad sobre el uso del plural, su respuesta: “Estaba usando un nombre genérico en una cláusula imperativa”, es una risa tonta. Lineal y cínica. De ahí ese touch british que llega a bordear la cirugía gestual del humor corrosivo. Dicen que en Inglaterra hay más de 1.000 tipos distintos de ceños fruncidos en exhibición, desde irresistibles a trágicos. De irónicos a aplastados. Los ricos fruncen el ceño de manera diferente a los pobres, solo una entre muchas diferencias sutiles que crean la narrativa paralela del conflicto de clases que corre junto con la historia de la liberación gay. Bueno, no en paralelo exactamente: al igual que con Jeremy y Norman, estas ideas chocan entre sí una y otra vez. Pero no lo vean tan de color de rosa.

 

A pesar, de la casa de la madre de Thorpe, una villa rural muy cercana a la vivienda del matrimonio Roper. En “AVSE”; Jeremy es un “pit bull” y tal vez un monstruo. Tiene dos matrimonios heterosexuales basados explícitamente en aumentar su popularidad. Discute su intención de que Norman sea asesinado como si fuera un rompecabezas de estrategia y no un asesinato. Pero como la leyenda y la vida nos enseñan, la gente contiene multitudes, y cuando Jeremy reflexiona brevemente sobre la violencia aterradora que ha experimentado con otros pretendientes y amantes, es difícil no sentir compasión y tristeza. Algunas veces se aprovecha de la misericordia y llega a recordarnos al personaje de Robin (Richard O´Sullivan) en la sitcom “Un hombre en casa” (1973). El Sr. Whishaw a menudo interpreta a personas vulnerables y heridas, y su actuación aquí es tremendamente convincente y desafiante. Su Norman es inquieto pero audaz y provocador: carismático, pero, a veces es un tipo sucio. Ese tipo de persona que tu padre odiaría, lo que solo haría que te gustara más hasta que te acabara por decepcionar y te ofreciera otra excusa fácil. Norman es casi toda postura, y puedes ver lagunas momentáneas en su conocimiento, donde el Sr. Whishaw deja pasar un poco de pánico.Durante el juicio con el que culmina la carrera de Thorpe y este espectáculo, el abogado de Thorpe reconoce que su cliente había tenido “tendencias homosexuales”, pero Thorpe negó vigorosamente una relación íntima con Scott. (El sexo gay entre hombres no se despenalizó hasta la Ley de Infracciones Sexuales de 1967; Scott y Thorpe se conocieron en 1961). Reconocerán que ni el comunismo, ni el fascismo habrían sido capaces de llevar a cabo esta ley, tan importante, para la confianza de muchos ciudadanos-as de Gran Bretaña. El liberalismo es tan divertido como un mini o los Beatles. El relato niega la negación de Thorpe y lo muestra comprometido, en el mejor de los casos, es una seducción dominante, y en el peor de los mismos es una especie de depredación violenta. Nunca se ha manejado un frasco de vaselina con tanta autoridad temerosa. No obstante, Stephen Frears nos recuerda a los espectadores que la exposición de un inglés en un armario es más grave de lo que parece. Durante el primer episodio, Bessell consulta a Lord Arran, un excéntrico político conservador que intenta despenalizar la homosexualidad. La escena se desarrolla, con una anécdota, para dar rienda suelta a la risa (los tejones y el paté se repiten), hasta que Arran revela la razón de su misión: ya que su propio hermano gay se suicidó y está decidido a intentar salvar a otros hombres, independientemente de ser expulsado del partido tory, lo que ennoblece su honor, a pesar de su vigoroso sentido del humor. En AVES, no cesa la oscilación, en que esta manera de vivir; está más cerca de una farsa loca y la propia tragedia histórica. Es un tono que refleja cómo los tabloides británicos siempre —se han involucrado con el inmensamente rentable acto de avergonzar al público— mostrando su desgracia y caída con un guiño. El columpiazo de Mr. Scott en los créditos finales, donde esgrime unos 80 años plenos es un puntazo. Donde se puede apreciar el encanto que Scott poseía en su juventud. Ya que se pudo confirmar que está vivo y muy bien, que vive con 11 perros (a ellos les debe gran parte de su historia. Nunca, mejor dicho, que es el mejor amigo del hombre y de toda esta riquísima y fascinante historia). Por cierto, aún no ha recuperado su tarjeta de la Seguridad Social. Thorpe fue diagnosticado de un precoz Parkinson en la década de 1980, con apenas, 51 años, sobrevivió, porque la enfermedad le quitó mucho de lo que aportaba el personaje. En 2014 falleció. Sin embargo, el drama, y su vida pública, terminaron en 1979, como corresponde, al desgarrador momento, donde JT saluda a la prensa y sus acólitos, eufórico celebrando su absolución del juicio. Ahí es donde, la posesiva madre y consagrada, Úrsula. Le espetó: “Jeremy, sabes que estás acabado… Lo sabes. ¿Verdad, cariño? Un año después estaba fuera del partido y de la primera línea de fuego del hercúleo palacio de Westminster. Jeremy Thorpe llegó a presidente del partido liberal, mientras los Beatles dejaban al público alucinado con Revolver (1966). Cuando se retiró de la política activa. Los Beatles estaban missing  (nadie se acordaba de ellos) y Londres estaba llamando a The Clash. Al final, los liberales, ganaron un mártir. El mundo estaba cambiando —como le gustaba decir a Bowie— y Londres volvió a ser el epicentro de la revolución sociocultural. La BBC encandiló a 5 mlles de espectadores en su primer episodio.

 

 

 

 

Anuncios

The Americans (2013) “el matrimonio ruso más amado de la TV moderna”

 

Elisabeth puteando Foto 1

La nueva ficción televisiva, Made in Usa, desde su irrupción en este nuevo siglo audiovisual; se ha caracterizado por la consolidación de un nuevo antihéroe estadounidense. Un tipo que no ha parado de ascender y sentirse querido por la audiencia. Recordemos al carismático gángster, Tony Soprano, a punto de cumplirse su 20 aniversario. ¿Quién no se acuerda del personaje mejor escrito para la TV de calidad? Por entonces, una HBO, algo monopolística. Aquel sagaz grandullón, de oronda y excelsa barriga, con un síndrome maniaco-depresivo. Un tipo entre lo amenazante y el risueño padre de familia, ese vecino de toda la vida. Chillando a todo Dios, sin saber el porqué. O mejor aún, en ese plano, sentado en la piscina de su mansión, con el fusco en la mano, mientras fumaba un Montecristo: vigilaba patos y osos. Tony Soprano fuel el mayor hito de la historia de la ficción televisiva. Pues, introdujo un nivel de complejidad temática y ética de una consistencia, inaudita. Nunca vista hasta entonces en la pequeña pantalla. Un vistazo al principal circuito de premios (Emmys o Globos de Oro) y verán que a lo largo de la última mitad de la década: se observa, no sólo el interés crítico de las páginas de millones de blogs o páginas culturales, que han dedicado chorros de tinta a por estos nuevos personajes y productos, mágicos vía streaming. Inclusive, el de una popularidad sorprendente y enfatizada, gracias a esos de las redes sociales. Creando el fenómeno de la Seriemanía. Miles de seguidores de los lugares más remotos, preguntan por las andadas de sus personajes favoritos. Las magistrales Mad Men, Deadwood, y más recientemente, Ozark de Netflix son solo tres espectáculos que han logrado un amplio reconocimiento por la definición de unos protagonistas moralmente comprometidos. El canal de cable FX, es conocido por su concepto “There is no Box”. Por aquello, de la competencia de reojo. También, por las producciones —inicialmente— sobradas de testosterona. Casos de SOA (2008) o Justified (2010).

 

 

Evidentemente, nunca ha sido ajeno a esta estirpe de personajes en constante conflicto. Pero la serie, por excelencia, que marcó el devenir de estos personajes fue The Shield. Un punto de referencia en la era del antihéroe, considerado por muchos, la respuesta al emblemático buque insignia de HBO. Curiosamente, donde, Tony Soprano ya era el mito dentro del sistema de corrupción, más arraigado, en la historia norteamericana. Vic Mackey era un luchador contra el crimen, uno de los buenos, aparentemente. Sin embargo, en su lujuria maquiavélica por frustrar a los malos, lo presenciamos torturando, chantajeando, manipulando pruebas de su unidad de homicidios —in situ— o llevándose el dinero de los alijos. En ese sentido, The Shield se puede ver como el comienzo de lo que se ha convertido en el paradigma actual del antihéroe televisivo: donde la ambigüedad moral abunda en espacios —más allá de las arenas esperadas— de mafiosos y matones, entre doctores y maestros de escuela secundaria, gente común. Cuando Joe Weisberg y Joel Fields lanzan The Americans en 2013. Una de las mejores series dramáticas de los últimos diez años. Si contamos hacia atrás, hasta septiembre de 2001, y, junto a la emisión de la primera temporada de 24h (2001), y la premiada Homeland (2011) de Showtime, los norteamericanos estaban enganchados al concepto de este, tipo de productos, donde el terrorismo internacional islamista: es la esencia del producto. La televisión estadounidense supo hacer de la vida de un matrimonio de rusos, los protagonistas absolutos, de una ficción de espionaje bajo la presidencia de Reagan tiene algo deliciosamente sugerente: el culto a una década de la que hoy en día hay mucha gente que fue joven y guapa, en aquellos años.

 

El gótico de mi marido Foto 3

 

La historia, a principios de 1980, es muy sencilla. Dos desconocidos, un hombre y una mujer son convertidos en agentes rusos desde la vieja URSS y camuflados, como modélicos ciudadanos estadounidenses, al servicio del KGB en Washington DC. Un show con un aroma a laca y purpurina plateada. Un diseño artístico que recoge todos los detalles del boom ochentero de esta década, en todos sus aspectos: moda, música, pensamiento y fascinación de adictos hípsters a las series en streaming. Luego, ¿quienes son ellos? Un tipo tranquilo, Philip (Matthew Rhys) y una mujer atractiva, con aspecto, de chica de las Bangles: Elizabeth Jennings (Keri Russell). La pareja de soviets enamorados de la America más consumista ha hecho historia a lo largo de seis temporadas. Esa hermosa y deseada vida tranquila de dos ciudadanos estadounidenses son: un matrimonio ejemplar, con un negocio muy en boga, una agencia de viajes. Tienen una pareja de niños a los que crían en la filosofía más campechana del capitalismo, exultante reeganiano, adictos al béisbol y el hockey. Además, de reconocidos fans del maravilloso mundo del mago David Copperfield. Sin embargo, detrás de consufa patomima banal, se esconde una inmensa taparadera para llevar a cabo, todo tipo de actividades de espionaje de grandes proporciones. El sabotaje, la vigilancia, el robo de secretos industriales, la seducción de figuras influyentes, el reclutamiento de fuentes y el cambio de físico, mediante, protesis y disfraces. Así como el asesinato a sangre fría. Todo es bueno para promover la causa de la URSS… ¿El objetivo final? Ganar la guerra fría. Demos un giro de 180 grados ¿Tiene poco o mucho parecido entre sí más allá de su conversación básica sobre lo que significa ser un agente doble? O mejor dicho, en un sentido más amplio, ¿Qué significa llevar una doble vida? Por ejemplo, el concepto de Homeland, visto por un ciudadano medio, de inmediato se ve provocado y sostenido por un complot terrorista que va desde el Capitolio a Afganistán.

 

Marriaged Jennings Foto 4

 

El romance que surge entre Carrie Mathison (Claire Danes) y Nicholas Brody (Damian Lewis) es muy predecible, aunque deje escondida una guarnición muy deliciosa por los segundos platos.  Y es que, en el fondo, The Americans, aunque está tan a tono con la ambigüedad moral, de muchos de sus predecesores, la obra de su creador, Joe Weisberg; ofrece un tipo de protagonista completamente diferente. Algunos dramas antihéroes intentan retratar la lenta degradación del personaje (Walter White de Breaking Bad), otros nos muestran cómo la obsesión profundiza la locura (Dexter Morgan en Dexter, o Nicholas Brody de Homeland) y otros permiten la experiencia superior del poder y sus consecuencias (Don Draper en Mad Men y Nicky Thompson de Boardwalk Empire). Lo que separa a The Americans es su primer plano del dispositivo más simple en la historia de la narrativa. Piensen en algo tan esencial, en el mundo coloquial, como el amor. Y que mejor vector, donde expresarse, que el amor a una familia. Empero, The Americans se convierte en una lección de guion, a la hora de ampliar el método de abertura de cajones y llenas de subtramas. Un producto, que desde el arranque de sus cortinillas esta repleto de los símbolos del espionaje y toda la fanfarria ochentera iconica por un score musical de Nathan Barr memorable. Empero, el show no se olvida de las alocadas persecuciones, brutalidades y las intrigas burocráticas del poliburó que funcionan al servicio de su núcleo romántico. Sin embargo, lo que deja a los espectadores aferrándose a sus apoyabrazos, en estos momentos de pulposa emoción es el terror subyacente que, en cualquier momento, la incipiente relación entre los protagonistas Philip y Elizabeth Jennings sufrirá un golpe, ya sea físicamente, emocionalmente, o ambos, de no sobrevivir a la misión.

Stan&Sveltana Foto 5

 

Los críticos alaban de inmediato la calidad narrativa de la serie. Como ex agente de la CIA, Joe Weisberg es el garante de su credibilidad. Se saborea la audacia de poner al público estadounidense del lado de los soviéticos: inclusive si Philip y Elizabeth nunca son heroicos, aquí lo son. Ya que, los puntos de identificación del espectador, son aquellos a quienes queremos ver triunfar. Al final, o en cualquier caso, escapar del agente del FBI Stan Beeman (Noah Emmerich), que resulta ser su vecino. En un estilo de suspense, la serie tiene éxito en el retrato sutil de un matrimonio complejo y la supuesta normalidad familiar. Finalmente, una miríada de detalles de los años 80, que deleitan el paladar del más esteta: pantalones de talle alto, los inevitables peinados cardados y otros videos aeróbicos, y por supuesto la música: Phil Collins, Sting, Peter Gabriel, U2, Elton John o Duran Duran y etc… Son inmensos momentazos dentro de la pantalla. ¿Por qué? Pues, que nos hallamos, ante el vademecum típico de la Guerra Fría. No existe un objetivo claro y generalizado. De ese modo, el conflicto de larga duración que va emergendiendo “in crescendo” dependerá, en gran medida del carácter, que impriman los personajes con sus originales devaneos. En los episodios que siguen el apogeo emocional del clímax de capítulo piloto, no decepciona. Todo lo contrario. Vemos que los dos confrontan infidelidades pasadas y presentes. Por ejemplo, la manipulación sexual de Philip a la secretaria del FBI Martha Hanson —papel interpretado por la actriz Alison Wright— es sencillamente, puro beluga. Y gracias a este trabajo la confirmación de una excelente interprete como es la singular Alison Wright. Luego, está nuestra querida Elizabeth lidiando con su amor de correrias al margen de la ley; un antiguo trabajador afroamericano. Dilemas profesionales que generan disputas que se sienten más personales que políticas.

 

Martha& Phil Foto 6

 

En el caso, del intento de asesinato de Reagan se usa aquí para resaltar sus diferentes lealtades. Así como un nuevo jefe de los servicios de trabajo de campo de todos los espías, que interpreta la siempre carismática y manipuladora Claudia/Margo Martindale, en sustitución del cabal y más heterodoxo Gabriel que interpreta Frank Langella, muy mayor, al que el poliburó quiere pasarlo a la reseva. Por no decir, a la jubilación forzosa. Claudia les informa que el trabajo está a punto de volverse más amenazador para la vida, de lo que por si ya era, anteriormente. Un romance es tan bueno como sus obstáculos, y, como ya hemos mencionado, aquí no encontramos escasez de obstáculos. Todo lo contrario, en The Americans es un deleite, la cantidad de capas barnizadas que se pueden llegar a desvelar. En todo caso, el grado de coincidencia incorporado en la creación de estas barreras ha sido, para algunos espectadores, el defecto principal del programa. Reiteramos, para alugnos. No obstante, cuando la coincidencia profundiza el conflicto en lugar de ayudar a resolverlo —inculcando un cierto grado de inevitabilidad en lugar de dejar a deus ex machina— la mayoría se apresura a perdonar. Entonces, cuando el agente de la CIA Stan Beeman (el análogo más sagaz de Noah Emmerich sería el cuñado Hank de Breaking Bad) se mueve por la calle de los Jennings, estamos más interesados en el estrés de su arma cargada , la cual, le llega a generar; que en desacreditar su improbabilidad. The Americans se asemeja más a Deadwood de HBO, un programa más interesado en cómo se construyen las comunidades que en marinar con sus propios conceptos. Pensemos, por un momento, donde la magia de Deadwood estaba en su molde expansivo, el encanto de los estadounidenses está en su enfoque limitado; hay algo embriagador en su estrecho ecosistema de momentos sosegados, su énfasis en la acumulación de gestos en la creación de significado.

 

Margo& Frank Foto 7

 

En todo caso, una discusión sobre el linaje es importante aquí en un sentido global; hay un cierto grado de previsibilidad para cualquier espectáculo, pero después de más de una década de escritores dispuestos a poner a sus seres queridos, a través del tono, sabemos mucho mejor como dejarnos sentir más cómodos; cuando las cosas parecen ir bien para el Sr. y la Sra. Jennings. Al final, no queremos que Philip y Elizabeth tengan un camino fácil hasta que realmente se lo hayan ganado, y somos ampliamente recompensados por nuestro masoquismo. La represión y lo tácito forman el fulcro dramático de los estadounidenses. De la misma manera en que los roles de género de los años 60 arrojaron un conflicto de carácter en Mad Men, el empleo de los Jennings como espías opera como una especie de silenciador de facto. Como todos los dramas de época efectivos, esto habla tanto del espíritu de la década de 1980 —la capa de seguridad cuidadosamente construida a pesar de las ansiedades profundamente arraigadas— como del actual espíritu de época posterior al 11 de septiembre. Entonces, cuando Philip se acerca a Elizabeth sobre como desertar a Estados Unidos en el piloto, nos damos cuenta de que hay varios tules, maniobrando la psicología del respetable, que han puesto en marcha. Aunque, para ello hayan engañado a todos los que los rodean, incluidos sus hijos, siempre han sabido que su matrimonio es solo un vehículo para su verdadero matrimonio con el jodido KGB. Ya que su verdadera tapadera reside en los suburbios estadounidenses. El momento en que se interpone en el camino de una misión es el momento en que pierde eficacia. Por ejemplo, cuando Philip empuja a la deserción, Elizabeth no solo se enfrenta a descifrar sus intenciones —puede estar en una misión privada desde el cuartel general con la intención de poner a prueba su lealtad— sino que navega la corriente subyacente de sus aparentes sentimientos hacia ella (particularmente al foco de la distancia emocional que ha cultivado con cualquier cosa relacionada con su vida estadounidense). Algo así, la respuesta a su patriotismo erosionado (el modus operandi del la agencia y su entrenamiento le obligaría a delatarlo en la sede).

 

 

So Sorry, Stan but we going to Russia Foto 8

 

The Americans es un espectáculo sobre cómo lidiar con las consecuencias de las decisiones tomadas en la juventud, sobre confiar en la intuición y amar a pesar del miedo, sobre aceptar que lo que más nos amamos el uno al otro es también lo que más odiamos y lo que más tememos de la vida. Ese proceso de aceptación de lo que más amamos, el uno del otro, es también lo que podemos llegar a odiar o temer más. Incluso para aquellos de nosotros que no estamos inmersos en una existencia paranoica, el mundo, a veces, puede hacer sentir a cualquiera de nosotros: un lugar duro y solitario. Con la inevitabilidad de nuestra mortalidad, lo mejor que podemos esperar es una verdadera conexión humana mientras todavía tenemos tiempo para ello. Ese tipo de redención, que The Americans busca ofrecer, es un faro raro, algo, sin darse cuenta, que hemos estado esperando desesperadamente para ver. Como hemos visto en los últimos catorce años, la televisión es un medio increíble para retratar un deterioro lento. Pero los estadounidenses revelan que la televisión es igualmente capaz de mostrar lo contrario: los pasos precarios que tomamos para construir una comunidad, cómo nos mantenemos frente a la obstrucción y cómo nos enseñamos a amar y ser vulnerables en un mundo que sabe exactamente cómo para explotar y destruirnos. Siempre nos quedarán los rostros de Philip y Elizabeth cruzándose con su joven colega de la KGB, un juvenal Vladimir Putin. Nada más lejos de la realidad. Pero, no que les pique la curiosidad, de echar cuentas…Si estuvo destinado en la RDA de 1985 a 1987. Cuántos de nosotros hubiéramos pagado por ver esta escena. Muchos. Y todo sigue igual de otrora KGB de nuestro matrimonio de desconocidos hasta el final de la guerra fría. Ahora el actual, FSB. Las técnicas de espionaje son idénticas y que los objetivos, sean siendo los mismos. Después, de contarte todo esto, No creen que merece la pena ver una de las mejores y más queridas series de la historia de la TV, según, la AFI. Ojalá! la Academía de televisión norteamerica, le de un epitafio, como mandan los dioses y por fin, sea la mejor serie de drama. A igual, que los Soprano, Mad Men, Breaking Bad o Homeland. Gracias por estos años y suerte. Nota: 8,5

 

 

The Terror (2018)“Miedo y horror en el Ártico”

En estos días, muy cercanos a cualquier cambio de década o finalización del siglo de turno; la ficción audiovisual tiende a cambios —de estilos y géneros— con la trillada muletilla del “ya tocaba”. Evidentemente, esto se ha visto con el péplum romano de Gladiator de (Scott) en 2000 y unas décadas antes, con Cleopatra 1963 de (Mankwiecz) y la supervivencia en la naturaleza de The Revenant (Iñárritu) en 2015 y la maravillosa Jeremiah Johnson de (Pollack) en 1972. A dos años de la finalización de la segunda década de este enigmático y supratecnológico siglo XXI; aparecen nuevos proyectos de gran calibre artístico, como The Terror (2018) —un  drama de suspense, con aroma a gesta, donde el ser humano da lo mejor y lo peor de sí—  que solían reservarse para ser films de prestigio con aspiraciones a Oscar. Nos acordaríamos de la interesantísima Master and Commander: The Far Side of the World  de Peter Weir, en 2003. Independientemente, de la temática y estética del film, la armonía de ambas historias es asombrosa. Sin embargo, vivimos en este tiempo donde la red social, lo adelanta todo, y las grandes productoras del cable, están al acecho de esos productos que fluyen pedigrí. The Terror (2018) tiene todos esos ingredientes de una gran superproducción cinematográfica, pero en una pequeña pantalla, que demanda un espectador de paladar exquisito. Ese público tan sui generis de chaise longe y pantalla gigante ultraplana 4K, será el dueño del tiempo y duración del proyecto —que dependiendo del visto bueno de la clientela— podrá marcar ciclo y tendencia. Formalismos y exigencias a un lado, los cinéfilos de todos los pelajes estamos de enhorabuena con AMC TV. Desde Mad Men, el redundante canal de los zombis, no era capaz de crear una ficción tan apasionante y adictiva. Además, vaya por delante, mi enhorabuena y agradecimiento a Sir Ridley Scott, y su gran amor por la literatura.

AMC Foto-2

Una vez más, se ha hecho con los derechos de distribución de la obra de Dan Simmons. Bien, ahí, es donde entra su productora que fundó con el desgraciadamente fallecido Tony. El sello Scott Free. Poniendo todo un equipo de enormes profesionales, a trabajar en esta serie, dando un gran “do de pecho”, con una impecable dirección artística. Desde el fastuoso vestuario, a la recreación de una isla y un océano helado, que es el invernal Ártico, dentro de un estudio de rodaje húngaro. Hermoso y demoledor paisaje cubierto de hielo, entre afloramientos rocosos y aguas gélidas. Una tundra helada marcada, sólo por túmulos funerarios. Un gran todo infinito; que parece extenderse para siempre. Podría ser un alienígena planeta yermo (lugares cercanos al cineasta, a lo largo de su dilatada carrera) o el terreno blanqueado de un western épico. Sin embargo, estamos ante uno de esos viajes que van más allá de la grandioso y homérico. La novela de Dan Simmons The Terror está cimentada sobre la base de una historia real. Donde, en un gran ejercicio de construcción de guion, se conjuga una mezcla de géneros, que van, desde la aventura histórica, hasta las sagas de supervivencia humana en un lugar inhóspito. Finalizando, la biblia de trabajo, en un perfecto thriller psicológico: donde el terror pivota en la mente humana y las criaturas monstruosas del lugar. En este caso, es sólo una, pero que da mucho miedo. La novela, un buen tocho de más de 900 páginas, apunta detalladamente la expedición —que se llevó a cabo en 1845— por dos punteros veleros, orgullo de la Armada Real británica: el Erebus y el Terror. Dos naves que iniciaron un viaje en busca de una nueva ruta de mar. A través, del amargo pasadizo del Noroeste Ártico: una siniestra travesía cercada por el gélido hielo invernal del paisaje polar. Aquel canal nunca lo encontraron los 128 hombres que se embarcaron en susodicha andanza.

AMC Foto-3

Ambos barcos desaparecieron de la faz de los icebergs árticos. Durante el visionado, uno, sentado en el sillón de casa, puede sentir el glacial viento, y el paralizante frío, acariciando tu cara, en cada escena. Como dice un personaje: “A la naturaleza no le importan nuestros planes”. Algunos de los mejores momentos de The Terror se basan en la idea de que no es nada sobrenatural o desconocido lo que matará a estas personas, sino el orgullo humano y estúpido de los implicados. Eso los convenció de que podían hacer algo, que nunca debería haberse intentado. Hay planos muy hermosos, a vista de pájaro o dron, de pequeñas embarcaciones contra los lienzos de un fondo masivo de hielo y nieve que paralizan los sentidos. Una sensación de escalofrío que te recorre la espina dorsal. Y en cuestión de minutos, comienza una brutal carnicería. Algo que tiene mucho sentido cuando podemos considerar la drásticamente escarpada adaptación literaria. Dentro de un tono dramático robusto y ejecutada por el comandante de la expedición. A partir de un excelente reparto, de intérpretes por rangos, tendríamos a Sir John Franklin (Ciaran Hinds en Rome y Game of Thrones HBO) como comandante jefe de toda la expedición desde la nave Erebus. Luego, los capitanes más inmediatos, caso del segundo, Francis Crozier (Jared Harris, Mad Men y The Crown), capitanea el Terror. Un tipo sui generis. El tercero de la cadena es James Fitzjames (Tobias Menzies Rome y The Honourable Woman), un presumido fanfarrón que le hace la rosca a Franklin con halagos obsequiosos o jactándose de su propia heroicidad del pasado, en galantes relatos —ex profeso— para el efecto como maestro de ceremonias. El capitán Crozier tiene poca paciencia con el autobombo petulante de Fitzjames. Una animadversión mutua que va en crescendo. “No hay nada peor que un hombre que ha perdido su alegría”, comenta Fitzjames de él a Franklin, en una de sus constantes observaciones.

AMC Foto-4

Curiosamente, el paso de los acontecimientos, a medida que la serie avance, nos brindará un prisma cognitivo, de ambos, muy diferente. Obviamente, la desgracia humana comparte la empatía de una calamidad irremediable. Empero, en la página de guion y capitulo que nos encontramos; tenemos un frustración axiomática de Crozier, por su condición de irlandés —que le marcará— su improbable escalada hacia los primeros galones de la armada británica. Sin embargo, el concurso de su presencia también entra en juego. El conocimiento de otras expediciones por la misma zona le hace ganar enteros, para finalizar una carrera militar, con su justa gloria. Todo lo contrario que el autocomplaciente Franklin, al margen de las circunstancias reales y obviando las advertencias de Francis Crozier y su reiteradas advertencias, en torno, al fatal desenlace de la expedición. Crozier, tiene un respeto por Franklin —cuasi familiar, Crozier casi termina siendo yerno de Franklin— pero como profesional de la marina, es un indolente, de los que siempre piensa que Dios tiene un paraguas y un milagro, en el bolsillo de su túnica, ante cualquier revés. Y en esta ocasión, el desastre es inminente. Se palpa constantemente en el ambiente. La caras del pasaje y resto del tropel; la cámara los dice todo. Después de un buen tiempo, de pantalla notable, se aventuran a buscar algún pasaje, por donde, salir del atolladero. La serie mantiene esos momentos de penetración emocional en la acción temprana. The Terror es un estudio fascinante, entre choques convulsos de la conducta humana. Caso del compañero de la tripulación de marinería, que enferma violentamente. Mientras estaba en el comedor con el resto de compañeros, de inmediato, comienza a convulsionar y a toser sangre. Algo que irremediablemente le conducirá a una muerte inmediata. Este percance nos dirá mucho, sobre el mal de todos estos hombres de grandes hazañas y es la enfermedad del escorbuto.

AMC Foto-5.jpg

Ahí cuando, entra en escena, uno de los oficiales alejado de los labios rígidos y la cara larga: el Dr. Harry Goodsir (Paul Ready), un joven, cercano, entusiasta y culto patólogo, posiblemente la mejor persona, de todo el pasaje. Muestra una profunda compasión al consolar al joven que acaba de enfermar y ha entrado en una fase terminal. Goodsir sigue absorto por la convicción de la mirada del moribundo marinero, haciéndole creer que había otra presencia en la habitación, cuasi divina. La cercanía de Dios. Esa poderosa escena junto con otros interludios tensos —como el de un hombre que cae por la borda y una atrevida incursión de un buzo en las profundidades para remover el hielo acumulado de una hélice dañada— aumenta las apuestas de vida o muerte entre el pasaje, bien temprano. Planos largos silenciosos y oblicuos por la desviación del hielo en la nave. Algunos episodios, sin aspavientos de efectos especiales. De repente, suena un encontronazo que nos deja en alerta. Amén, de todo un concierto de ruidos desconocidos y sonidos guturales de algún animal indocumentado. Una genialidad propia de la magnífica BSO de David Michael Frank; mostrando la angustia y corroborando la soledad del paisaje. Otro aspecto interesantísimo son las largas escenas de diálogo (dándole un toque muy teatral al producto) y un claro carácter salpicado por violencia extrema —que hábilmente representa una misión que fue inacabable durante la mayor parte del día— hasta los momentos, en que el encuentro con la fatalidad era cuestión de horas. La dirección del germano Edward Berger (Deutschland 83 y Jack), quien filmó las dos horas de apertura, se beneficia enormemente de la incorporación de actores de primer nivel para conseguir una texturas dramáticas espléndidas. A partir de la vida interior de ese grupo de hombres uniformados algo constreñidos por la política Imperial de la reina Victoria del Reino Unido. “Dios, Rey y País”. Eso aplicado a la tropa de marinería y los rangos inferiores, significaba castigos por desobediencia o insurrección.

AMC Foto-6

Ahí, es donde, el personaje más intrigante hasta el momento, es el marinero irlandés Cornelius Hickey (Adam Nagaitis). De repente, es pillado, in fraganti, mientras practica sexo furtivo con un compañero de tripulación, debajo de la cubierta.  El teniente John Irving (Ronan Raftery) lo interrumpe, algo confundido y sorprendido. Empero el personaje Hickey sabe que un buscavidas irlandés, como él, que lleva muchos años en Inglaterra, rulando entre el lumpen más conocido de la villa. Lo sabe todo. Un tipo que ve en el malvivir y el caos auténtica diversión. Hickey sabe demasiado —pues su oreja está en todos los recovecos de la nave— seguro de sus interlocutores, y por donde flaquean. Lo suficiente, para saber que el teniente Irving, es el prototipo de hombre religioso timorato y pacato, el cual, se convencerá a sí mismo, de que no vio nada. La nacionalidad de Hickey también proporciona una leve conexión con Crozier que parece que funcionará en su beneficio. Aparentemente. Mientras el capitán Franklin esboza las típicas grandilocuentes palabras de ánimo sobre la grandeza y la aventura, en un claro intento de espolear a la tripulación, pues, el ánimo va en caída libre. Al igual que su discurso vacío y artificioso. Ciaran Hinds, sigue teniendo aquel aura de César de la majestuosa Roma de 2005. Habiendo permanecido embarrancado hasta la primavera, como lo advirtió el inquieto Crozier, Franklin envía dos grupos de exploración con trineos hacia el este y el oeste para indagar el estado de hipotéticas aguas navegables. Ninguno de los dos grupos regresa con noticias prometedoras, y un teniente se pierde en el caótico desenlace de una violenta tormenta de hielo —generada— por lo que los otros hombres creen que fue un oso gigante. La imagen visual de la criatura sugiere lo contrario. El desarrollo de esta situación, clave en el argumento, promete aumentar de peso a medida que avanza la serie. No obstante, es el disparo accidental durante la confusión del rescate —deja una bala perdida— que impacta, en un anciano nativo inuit. Arriban al barco, pues, el anciano está muy mal.

AMC Foto-7

Su hija, la esquimal, interpretada por la actriz y compositora groenlandesa (Nive Nielsen) está muy disgustada. Ésta, advierte, con gran disgusto, a uno de los oficiales de la nave que había vivido entre ellos el Sr. Thomas Blanky (Ian Hart, The Boardwalk Empire, Beuatiful Girls, The Last Kingdom). Fantástico actor. Para finalizar con la siguiente frase: “Dile a los que vengan después que no se queden aquí. Los barcos se han ido. Nos hemos ido”. Y hace mención a una extraña criatura llamada Tuunbaq. El cirujano patólogo Goodsir hace lo imposible junto al flemático y circunspecto Dr. Stanley/Allistair Petri (The Night Manager, Sherlock y Whitechapel) del Erebus que demuestra desgana e indiferencia. Pero todo es en vano, delante de su hija. El moribundo esquimal exhala su último hálito. Goodsir no puede ver la visión de un chamán inuit que aparece durante los agonizantes momentos finales del paciente. La destrozada joven inuit —que parece saber mucho sobre el monstruo— desconfía instintivamente de los extranjeros. Estos son los intrusos que traen el infortunio. A pesar de la gentileza esgrimida por el capitán Crozier y el Sr. Blanky que tienen un relativo dominio de la lengua Inuit. De repente, el comandante Franklin, apostilla: Estas personas no son de nuestra competencia. A pesar de las desesperadas y frustrantes maniobras por intentar salvar al viejo esquimal. Es como si los showrunners David Kajganich (Invasión y True Story) junto a Soo Hugh (The Killing y Passengers) nos hubiesen sumergido en las frías aguas de allende Bering. Son muy buenos y han hecho un grandísimo trabajo en todos los aspectos. Empezando por desarrollar un marcando tempo —impecablemente bien dosificado— con la narración. Asegurándose de que el metrónomo da una mayor cronometro a los personajes, aunque dando en su justa y meticulosa medida al entorno. La inmensa atmosfera y todos los recursos que la contienen; un denso paisaje sonoro, hielo cambiante y los rayos de madera de los barcos.

AMC Foto-8

El lloriqueo ominoso del perro de la nave, las lecturas de la brújula siniestra debido al campo magnético ártico, el resplandor del otro mundo de las luces del norte y la naturaleza gráficamente sangrienta de la autopsia de la sierra sobre el marinero muerto contribuyen aún más al escalofriante factor. The Terror juega más con la tensión que con la acción, a pesar de las tremendas sorpresas que nos deparará la serie a medida que pasen los capítulos. Además de la extraordinaria labor interpretativa de Harris, no podemos olvidarnos del dueto Hinds y Menzies —de nuevo juntos— pasados casi 14 años, de la obra maestra Roma de HBO. César y Bruto, ahora en la armada real británica. Los elementos físicos de la producción también son de primera categoría, desde los interiores de los buques ricamente detallados a las miniaturas y los efectos digitales de amplios planos aéreos. Veremos a un Jared Harris, convertido en uno de esos intérpretes a los que podemos llamar “siempre buenos”. Y la mirada única de un Ciaran Hinds —que lo borda— apto para un capitán de barco posiblemente hambriento de poder. Y no pasando por alto la presencia femenina muy definidos. Dejando a un lado a la bautizada Lady silencio (la Inuit esquimal). El espectáculo recoge mediante varios flashbacks en Londres, a la esposa de Franklin, Lady Jane Franklin (Greta Scacchi) y la sobrina, Sophia Cracroft (Caroline Boulton) que han instado reiteradamente a rechazar las propuestas de matrimonio de Crozier. Hasta hay un maravilloso cameo literario del ínclito Dickens con estas distinguidas damas. No obstante, hay una confianza impresionante en la narración que atrapará a los espectadores con un gusto por el suspense sofisticado. Este espectáculo ataca el miedo lentamente, desde todos los ángulos: existe una tensión de construcción lenta entre la tripulación de los barcos, la implacable violencia de la naturaleza y el elemento sobrenatural que lo eleva a un reino elevado de violencia psicológica y espiritual.

AMC Foto-9

Esta es una serie que te llena de temor implacable. Como sugiere el título de la serie; a The Terror le interesa el miedo mismo, cómo nos transforma, cómo nos vuelve crueles y salvajes. El Terror, se convierte en horror. La investigación de ese miedo desde diferentes prismas, es todo un ejercicio de imaginería y pedagogía de guion. Cuando se hace aparece la conjura de un pánico penetrante, tan familiar como inconcebible; un retrato del hombre y la naturaleza, en su forma más cruel y fría. Al igual que The Thing (1982) de Carpenter, “The Terror” se vuelve más interesante como un estudio de lo que el miedo, es capaz de hacer a las personas, especialmente a los hombres, más que una historia de monstruos. Al margen, que estemos delante de un extraordinario un show de época de género. Es obvio, que también se trata de elementos adversos, inherentes al paso del tiempo, de la condición humana. Esos que nunca desaparecen, incluido el clásico orgullo estúpido —en este caso, ese tan británico— que mata a los hombres. A veces, propio deseo de conquistar a la madre naturaleza y el impulso competitivo entre colegas, terminan por confundir a los hombres de su verdadera realidad: el auténtico peligro que tiene a su alrededor. Casi tan letal, como su propia sombra. La sensación claustrofóbica de atrapamiento se refuerza cada vez que la cámara del cinematógrafo Florian Hoffmeister se lanza hacia atrás para revelar a los dos barcos como juguetes, encajados en mármol agrietado que parece destinado a envolverlos. La ausencia perenne de signos de un deshielo en ninguna dirección y suministros de alimentos menguados o podridos, las cosas claramente se volverán mucho más desesperadas ya que el hambre, la enfermedad y el posible motín se combinan con la amenaza externa para romper la compostura deshilachada de los hombres.

AMC Foto-10

El meticuloso grabado de los personajes y su complicada dinámica, la diseminación del terror, la vivida sensación de aislamiento prolongado, todos proporcionan las bases para lo que promete ser una creciente pesadilla de enfermedades, inanición y carnicería monstruosa. En el fondo, The Terror se toma su tiempo, conoce la oscura tristeza hacia la que se dirige y no tiene prisa por llegar allí. Las dos naves son dos enormes mansiones versión Downton Abbey en los mares altos, aunque congelados. Los miembros de la tripulación de bajo nivel que quedan fuera de las sesiones de estrategia de alto nivel incluso conexiones, propias. El resultado es una dinámica claustrofóbica en el piso de arriba y en el piso de abajo, una especie agonía existencial atacada por el miedo lentamente, desde todos los ángulos: existe una tensión de construcción lenta entre la tripulación de los barcos, la implacable violencia de la naturaleza y el elemento sobrenatural que lo eleva a un reino elevado de violencia psicológica y espiritual. Esta es una serie que te llena de pavor implacable. Si visionáramos todos estos títulos, Atanarjuat: The Fast Runner (2001) Roald Amundsens Sydpolsferd (1912) Shackleton (2002) The Last Place on Earth (1985) Scott of the Antarctic 1948 y Ravenous (1999). Posiblemente, estarían de acuerdo con servidor, en que el horror, no hace diferenciaciones entre hombres y bestias. Cuando la necesidad es supervivencia. La delgada línea roja de lo éticamente salvaje, de lo moralmente cruel. Es la vida misma en un acto desesperado por sobrevivir en esa fatalidad que es el lecho de Fausto. El horror del apocalipsis Ártico es una evidencia. Como dijo el maestro Poe: “El demonio del mal es uno de los instintos primeros del corazón humano”. Nota: 8,9

 

Waco (2018) 25 años después, la misma sangre

 

El clima político actual de EE.UU, está viviendo un cambio radical en la cultura popular —algo que se percibe— en el sustancioso y adictivo mundo de la ficción. Las películas y los programas de televisión son inevitablemente sopesadas por la actualidad más inmediata. La misma que refleja los acontecimientos más presentes de la más cercana historia contemporánea de Norteamérica. Caso adyacente y que ha trascendido —dada su personalidad— lo tenemos, en el film “The Post”, de Spielberg. Candidata a mejor película, en la última entrega de los Oscars, es un film —claramente— contestatario a la feroz guerra, de la administración Trump, contra los medios de comunicación, especialmente, los escritos. A la luz de esa inclinación natural, no es de extrañar, que la cuestión de cuánto podrá confiar en la nueva administración gubernamental la sociedad estadounidense (dada la fractura entre los críticos y los acólitos) se haya convertido en un tema prominente, a la hora, de afrontar cualquier historia de la mayoría de las obras contemporáneas. Sin embargo, hoy mismo las calles de todos los estados que forman esa gran democracia están diciendo que hay que parar a las armas. Un debate, que a pesar de su actualidad, lleva golpeando a la nación norteamericana desde el final de la IIGM. Partiendo de este preámbulo, la factoría de la todo poderosa Paramount, ha creado, su nuevo canal de TV, Paramount Network. Presentando en pleno invierno y nuevo año; Waco (2018) es una apuesta, por una serie compleja y muy interesante. Hablamos de la historia del sectario líder y su troupe. Así como del triste asedio del Rancho Daviniano, que habitaban, defendido hasta la muerte y armados hasta los dientes, por el jefe espiritual  David Koresh, en 1993. La serie se inicia, con la presentación del personaje dirigente —de la secta davidiana— y el resto de sus protagonistas más importantes. A principios de los 90, la administración Clinton tiene que manejar feos asuntos domésticos de carácter subversivo. Algo así, como el fenómeno antisistema europeo de esta última década en Europa. Muchos fueron los iluminados fanáticos y grupos que sembraron el caos en los EE.UU.

 

 

Atentados y disturbios de primer orden. En Waco, no se pierde la oportunidad de mostrar —en un pequeño cambio de escenario— el sitio de 1992, en Idaho. Donde un grupo supremacista ario, se atrincheró en una atalaya, mostrando una actitud de violenta rebeldía contra todos las legalidades de la administración del gobierno estadounidense. El responsable del equipo de asalto de la ATF, sufrió un sonoro revés. El negociador, un hábil y siempre ejemplar Gary Noesner que interpreta, el inefable Michael Shannon, /99 Homes (2014) Nocturnals Animals (2016) The Shape of wáter (2017)/, todo un invitado de excepción. La ATF, junto al negociador GN, y parte del FBI, se las vio y deseo con el personaje David Koresh y sus prosélitos en la dura y salvaje Texas. Aquel tipo se veía como un auténtico profeta. Vivió con sus seguidores en Monte Carmelo cerca de Waco, Texas. Los adeptos a la causa —su rama davidiana— parecen básicamente gente de buen corazón y algo bobalicones, en apariencia. Es verdad, que todo el mundo es un enigma. Cuando la cámara abre con el primer plano de la cara de David Koresh y sus características gafas de montura metálica—muy propias de un asesino en serie autoestopista— parece ese tipo de hippie enrollado, con toque payés, en su huerto de Formentera; que desprende generosidad y bondad. El David Koresh de Waco está muy lejos de ser un tipo violento y feroz. Con un tono de voz suave, optimista y amabilísimo. Pero en el salón del rancho está el escenario con los instrumentos y ahí el amigo DK se arranca con “My Sharona” de The Knack. Y saca un poderío de estrella del Rock System que te deja absorto. Y es que Taylor Kitsch es un pedazo de actor, como la copa de un pino; True Detective (2015) Normal Heart (2014) o Lone Survivor (2013).

 

A pesar de algunas lagunas que se observan en el guion y la dirección de un par de episodios. Posiblemente, por decisión mayor. Ya que las mismas, si están constatadas en los libros de referencia. Donde se repasa, a fondo, la figura del fanático y magnético DK. El joven Vernon Howell (nombre de pila) se mudó a Waco, Texas, uniéndose a un grupo escindido religioso (el ala más disidente de los Davidianos) llamado los Adventistas del séptimo día. El supuesto profeta y protagonista de toda esta historia; nació el 17 de agosto de 1959 en Houston, Texas. Vernon Howell nunca conoció a su padre, y su madre tenía catorce años, cuando ella dio a luz, entregándole, la criatura, a su abuela, cuando él era solo un bebé de chupete. Cuatro años más tarde, a la edad de ocho años; un año después de que su madre regresara y se casara con un nuevo amante; Howell afirmó que fue violado —en grupo— por una pandilla de niños mayores. Era un estudiante en una clase de escuela primaria para necesidades especiales, donde la intimidación se intensificó hasta el punto, que la violencia sexual estaba a la orden del día. David abandonó la Escuela Secundaria de Garland. A partir de ese momento, trabajó en tareas domésticas y a los veintidós años, tuvo una aventura amorosa con una adolescente de quince años, a la que dejó embarazada. Debido a esta autopercepción de vergüenza, Howell, se declaró a sí mismo: Nacido de Nuevo para unirse a la iglesia de su madre: Los Adventistas del Séptimo Día. El trepa de Howell fue ganando autoridad y finalmente, el liderazgo del grupo, reclamando el poder de la profecía y posteriormente siendo visto como el último profeta del movimiento, Howell cambió su nombre por el de David Koresh, evocando el linaje espiritual que pretendía tener (es decir, él era “descendiente” auténtico y puro).

 

Desde la línea del rey David y se hicieron comparaciones con el pseudomesiánico Ciro el Grande (llamado Kores en la Biblia). En la Iglesia del Séptimo Día, Koresh se enamoró de la hija de un predicador y, mientras rezaba para recibir orientación sobre cómo manejaría estos pecados, abrió su Biblia en Isaías 34:16. “Nadie debería querer a su compañero…” decía, y David se convenció de que esto era una señal de Dios, antes de informarle al padre de la niña que el Señor quería —que tomase— a su hija por esposa. El pastor no estuvo de acuerdo con esta versión del evento y arrojó a David de su congregación y comunidad. En el exilio, Koresh viajó a Waco, Texas, y se unió al culto del rancho Davidiano, una escisión de los Adventistas del Séptimo Día: los Davidianos, allá por 1983. Casi de inmediato, tomó la decisión de tomar el control del grupo y luchó por el poder contra el líder George Roden, hasta que Roden fue encarcelado por matar a otro rival. Waco es una historia escrita por el dueto cinematográfico: John Erick y Drew Dowdle. A partir de los libros de memorias de dos personajes reales:  “Stalling For Time: My Life”  de Gary Noesner  y “Thibodeau’s A Place Called Waco: A Survivor’s Story de David Thibodeau”. Curiosamente, ambos cineastas venían de producciones de terror con presupuestos ajustados: The Poughkeepsie Tapes (2007), Devil (2010), y lo más reciente un drama de acción, con golpe de estado de por medio, No Escape (2015) protagonizado por los actores Owen Wilson y Pierce Brosnan. Obviamente, el paso del terror y la acción al relato ficción televisiva de la historia naciente de los Estados Unidos; es quizás tan grande como el que va del largometraje a series televisivas de grandes eventos señalados. Dado el actual estado de la televisión y su gran capacidad de recursos (además, del apasionado deseo de quienes lo hacen) para competir con lanzamientos teatrales, entretenimiento y el cine. Atrayendo a estrellas reconocibles y ofreciéndoles material potencialmente atractivo para interpretar. Entonces, ya no es una cuestión de darle un impulso anecdótico al estudio. Se está intentado promover las muchas sinergias que comparten, y dando signos, más que evidentes del inminente cambio.

 

El interés de la TV en streaming, por realizar proyectos cinematográficos, se demuestra —claramente— con una relativa restricción en la producción, de términos, en cuanto al propio tamaño de la serie en sí.  Algo, muy parecido a las producciones televisivas británicas; el modelo de los seis episodios. La reivindicación del formato miniserie. Waco aporta una sensación de brevedad, especialmente cuando se compara con los 10 episodios de The X-Files o los 9 de American Crime Story of Versace. Pero es una magnífica producción. Hay tanta televisión a la espera de ser vista, y con múltiples redes, expectantes, por obtener los ojos de los televidentes, en sus productos, que cuando llega el día de su emisión, parece que pedir un compromiso de seis semanas: se atisba como una victoria. Empero el propio producto, Waco, tiene potencial de sobra para ser candidata en los próximos Emmys. A ello, le sumariamos, una cortinilla de presentación muy hermosa, la excelente fotografía de Steven Finestone y una hermosa BSO del compositor de moda, Jeff Russo.  Siguiendo el itinerario del visionado, vemos que los acontecimientos que se están desarrollando son tan horribles que podrían separarse fácilmente de la realidad. Sin embargo, las tres actuaciones están tan bien fundamentadas que mantienen la serie anclada, ofreciendo tres perspectivas diferentes sobre el asedio. Schneider, que ha vivido en el complejo durante años, tiene un interés evidente en mantener las cosas como están. Noesner, a veces, resulta lo más extraño e impolíticamente correcto, que se ha traído para ayudar a resolver el caso. Otro gran personaje es Jacob Vázquez —papel que borda— un veterano John Leguizamo Bloodline (2015) The Infiltrator (2016) y John Wick: Chapter Two (2017). Un agente encubierto de la ATF, que conoce el medio, ya que sabe que hay algo muy raro y perverso, en el complejo. No obstante, siente cierta responsabilidad por las personas, que están adentro, y tan sólo han sido más que amables con él. De ahí la accesibilidad de Vázquez con el clan. Además del conflicto entre los negociadores y los presentadores de cargos: el principal peligro en Waco es entre estadounidenses razonables que simplemente viven de una manera extraña, y un gobierno que no los va a dejar en paz. No se cederá ni un centímetro.

Son consignas que vienen desde muy arriba. No se mencionan —estrictamente— las creencias controvertidas de los Davidianos. La secta había albergado ocurrencias como concursos de resurrección, en los que un candidato a líder desenterró un cadáver y creían que el Armagedón era inminente. Incluso una boda falsa, diseñada para ocultar el hecho de que Koresh engendró un hijo con una niña menor de edad, es retratada con un encanto caprichoso. La niña sonríe dulcemente mientras Koresh toca la marcha nupcial con una guitarra eléctrica. A modo, del gran Slash en el video “November Rain”. Cuando toca la Fender siente el éxtasis de cualquier estrella del Rock. Se lo cree. Es magnífica la secuencia. La humanización íntima de Koresh y sus seguidores se presenta como una defensa pura, una reivindicación de los derechos de los grupos marginales a existir con enormes reservas de armas sin atraer la atención de la ley. Además de los espectadores potenciales, muchas actuaciones sobresalientes vienen a la mente. Paul Sparks, un clásico Made in HBO, The Night of, The Girlfriend Experience (2016) y House of Cards (2013) es Steve Schneider. Para Koresh es su mano derecha. Schneider aporta el mismo tipo de humanidad y fundamento, en un lugar donde campa la alucinación colectiva. El personaje de Schneider es fascinante, pues, estamos ante un profesor de Teología, un tipo, leído y muy viajado. Es curioso ver, como la mayor parte del tiempo, lidia con el estrés del estilo de vida davidiano (especialmente con su mujer, una de las esposas espirituales de Koresh, del cual tiene un hijo) y teniendo la tarea de mantener el complejo unido durante el asedio. Schneider es la duda constante, en más de una ocasión, ha amagado con abandonar a toda la comunidad. Salir de aquel engendro de iluminados o desgraciados abducidos.

Empero, da marcha atrás, pues, hay algo de prestidigitador en el discurso de Koresh que encandila a Schneider, volviendo a ubicarlo en su labor de hilvanador de la crisis interna dentro del rancho, quien muestra la gravedad de la situación que se cierne sobre Schneider en todo momento. Melissa Benoist conocida por interpretar el Supergirl (2015) y Patriots Day (2016). Está fantástica, en el papel, de la esposa de Koresh (lo más cercano a la compañera principal). Rachel, que muestra a su vez la vulnerabilidad de una madre que trata de mantener a sus hijos seguros en una situación extremadamente peligrosa y en el interior la fuerza de esa líder de grupo tratando de aglutinar a todos juntos. A pesar de que su papel se ver reducido de lo que podría haber sido. Shea Whigham (que Scorsese le dio la vida, en Boardwalk Empire, The Wolf of Wall Street y Kong: Skull Island) proporciona la fuente del lado más militarista de las cosas como el agente del FBI Mitch Decker, cuya sombría cosmovisión y dureza en sus metodologías chocan con las de Shannon. Y ese actor Rory Culkin… no puedo evitar el preguntarme, ¿han pasado realmente dieciséis años desde Signs? Me miro, en el espejo y claro que sí. Aporta un sentido de humanidad y comprensión del ya mencionado Thibodeau, a quien vemos unirse al grupo, involucrarse personalmente con los miembros y, finalmente, de algún modo salir vivo del otro lado. En un agradable gesto con las magníficas fuentes, de Noesner y Thibodeau. Cada vez que parece que la narración se inclinará demasiado, a favor de un lado sobre otro, se lanza una nueva finura en la obra. Cuando Koresh amenaza con ser demasiado comprensivos, nos recuerda el hecho de que fue acusado de violación legal.

 

Cuando la ATF o el FBI parecen demasiado heroicos, se nos recuerda que es muy posible que hayan instigado el tiroteo y tapado los detalles para parecer menos incompetentes. Con ese fin, Waco se convierte en una de las series más efectivas de intriga, suspense y acción, en la memoria reciente. No sucumbe a la presión de declarar un héroe o un villano, ni crear una narración que sea clara en términos de quién era responsable. Y, como una advertencia para los débiles de corazón: Waco tampoco corta las esquinas cuando el sitio realmente comienza. Los desacuerdos entre el equipo de negociación del FBI y los defensores de la contundencia llevaron a la desorganización y la indecisión. Después de 51 días, el FBI lanzó un ataque con gas lacrimógeno. En Monte Carmelo ardía todo, mientras las cámaras de las TVs rodaban. Dos años después, Timothy McVeigh colocaba 1800 kilos de explosivos y hacía volar el edificio federal de Oklahoma City. Curiosamente, citando a Waco como evidencia de un gobierno intimidante —cuya nariz— pedía sangre. El tiroteo es salvaje y ensordecedor. Incluidos carros de combate del ejército norteamericano. Dejando cuatro agentes federales muertos y dieciséis heridos, mientras que cinco Davidianos yacían muertos y más heridos, incluido Koresh. Lo que siguió fue una lucha burocrática muy larga, a degüello, entre la ATF, FBI y elementos del ejército. Los davidianos aguantaron cincuenta y un días. Y ahora qué ¿Cuántas pistolas tenían los Davidianos? Algo fallo o fallaba desde el principio. Tampoco se obtiene una gran explicación sobre cómo Koresh apoyó financieramente a todos sus seguidores, que ocupan una gran casa llena de niños. Otro elemento discordante es la historia del líder Koresh viene de la licencia del gurú, para dormir, con mujeres menores de edad, supuestas “novias”, en su opinión. Es una parte de la historia que no está del todo bien desarrollada, siempre, partiendo del excelente material biográfico. Entonces o ahora, tal comportamiento sería profundamente inquietante, si no ilegal, pero estas preocupaciones se plantean brevemente solo para dejarlas de lado. Michelle Jones (Julia Garner) The Americans (2013) Grandma (2015) Ozark (2017) tiene una escena en la que se queja de haber sido obligada a tener relaciones sexuales con Koresh a una edad muy temprana, y ella tuvo a su hijo, como muchas mujeres en el complejo.

 

 

La falta de curiosidad sobre el daño infligido a las mujeres en los alrededores de Koresh representa una oportunidad perdida, y es aún más decepcionante dado que los miembros del elenco, además de Garner. Caso de Melissa Benoist y Andrea Riseborough  de Cocodrilo de Black Mirror (2017) y la muerte de Stalin (2017) son actores hábiles que podrían haber aliviado los dilemas de las mujeres. Decenas estaban dispuestos a morir por Koresh, o arriesgaron sus vidas en el intento de frenar su influencia. Pero a pesar del conato parcialmente exitoso por aclarar las cosas, Waco rara vez ofrece el tipo de profundidad, que haría que el examen de estas poderosas motivaciones sea convincente. Por lo tanto, a aquellos fanáticos de los derechos de armas (La asociación de amigos del rifle&Cia) saciarán una curiosidad puramente mórbida, y seguirán disintiendo de la posición gubernamental. Otros, nos quedaremos pensando, en la figura de aquel simpático mormón (el fallecido Bill Paxton) de la serie de culto de la factoría de HBO, Big Love (2006) y sus perspicaces esposas. Existe como un karma, que no sé muy bien cómo definirlo, en esa extraña interpretación de Taylor Kitsch. Cuando todas las mañanas, inicia el mismo ritual, el chándal y las zapatillas. Y a correr por la pradera, como un runner de fin de semana, con sus hijos. Y volvemos a preguntarnos: ¿qué le pasa por la cabeza y que esconde en esos ausentes ojos tras las gafas metálicas de Psychokiller? Esas jodidas gafas que los hípsters de 2018 las compran como churros. No voy a preguntarle a la vicepresidenta de mi gobierno, ya que es otra fashion victim. Me quedo con la cara de Michael Shannon, ese rostro de poliédrico de tipo duro, que es un poema. Algo así, como el agricultor, que ve la llegada de la tormenta de las tormentas y no va a quedar nada en aquel polvoriento y desvencijado rancho de Monte Carmelo. Posiblemente, tras un segundo visionado, algunos estaremos más contentos de ser ciudadanos europeos y convivir con una ley sobre el uso de armas, con unos cánones de seguridad, relativamente equilibrados. En Waco hay sangre de sobra —que mancha a las mascotas de turno— de los dos partidos; que son la Norteamérica utópica de la libertad. Demócratas y republicanos son cómplices del fascinante espectáculo de delirio, fanatismo y violencia colectiva. 25 años después, la sangre del fantasma de Waco sigue en los corazones de los estadounidenses. Nota: 7,6

McMafia (2018) “El crimen entre Cupertino y el aroma a Dior”

Todos los años, la prestigiosa y bendita, BBC (que suerte tienen los británicos) se reserva una gran estreno anual para competir de tú a tú con las grandes plataformas del streaming. Este año, no iba a ser menos y han vuelto a la carga, con muchos de los ingredientes y sabores, vistos a lo largo de producciones de esta última década. A partir la novela/bestseller McMafia “Un viaje por el inframundo criminal global” (2008) escrito por el periodista británico Misha Glenny; se desarrolla un magnífico drama con todos los alicientes y giros propios de la dramaturgia de la tragedia Skakespeariana. En esta ocasión, la trama se ubica en la cosmopolita y sobrada capital de UK (Londres). Una elección muy interesante, pues aquellos que hayan tenido contacto con el libro, sabrán que es el enclave intrínseco, de la novela, en gran medida por la conocida reputación de la capital británica. Ejemplos son sus encomiables ventajas fiscales para todo tipo de individuos que traigan una cartera repleta de euros, dólares o cualquier moneda de curso legal a la adorada City financiera. El efecto imán del nuevo Londres (ejemplificado en los JJ.OO de 2012) con una exhibición de riqueza y poderío, básicamente, es la muestra del gran pastel del mercado inmobiliario de lujo. En donde millonarios de medio mundo, tienen fijada residencia y parte de su patrimonio. No obstante, si a uno le dijeran que toda esta obra es del maestro John Le Carre, podríamos hasta creérnoslo —caso de la reputada— The Night Manager con un fantástico Tom Hiddleston y un guion muy bien cosido entre el thriller y el suspense. Incluso ha habido sugerencias de que la estrella principal James Norton podría convertirse en el próximo James Bond. Maneras y estilo, las muestra y de físico va sobrado.  El trabajo de McMafia se ha realizado, a modo, coproducción entre BBC One y el canal estadounidense AMC.

También, colabora Amazon como distribuidor directo en su plataforma de abonados Vips. El espectáculo tiene lugar en varios lugares que se mueven desde Londres a Rusia (Centroeuropa de por medio y toda la franja caliente que va de Israel hasta la India por el sur). McMafia es un título que desde el principio produjo odios, pasiones, risas y desconcierto. Sin embargo, el prestigio de Misha Glenny, es más que evidente. Llevando a cabo una ingente recopilación de información del mundo criminal, en torno, a las grandes familias de cuello blanco y lencerías de Chanel. Para construir el guion Hossein Amini fue quien se encargó de adaptarlo y como director de los episodios, a James Watkins (el mismo, trabajó, en el desarrollo de ese guion, en los tres primeros episodios) joven director con experiencia en las producciones de acción dirigió hace poco “Asalto en Paris”(2016) con Idris Elba de protagonista. No obstante, todo el mundo, que sea fan de todos estos entramados saben de sobra, que el crimen organizado representa aproximadamente el 15% del PIB que genera el mundo: algo más que simple calderilla. Hagan números y se darán cuenta de la riqueza, que representa este negocio. Empero, hay algo en toda esta lectura, por parte de Amini —esencialmente— en la exposición de un modo exclusivo, a la globalización. Tiene claro, que la globalización es mala y en ella, viven los más malos. No entraré en este debate, pues, daría para mucha tinta sobre blanco. La globalización es la utopía del capitalismo, según Amini, ya que fomenta el florecimiento de empresas delictivas, por ende, multinacionales —las cuales— realmente no necesitan ayuda para trasladar sus actividades al infierno social.

Desde esconder sus activos en paraísos fiscales y mantener la corrupción que le es propicia y beneficia. Proponiendo una historia que tiene lugar en casi todos los continentes, Asia, Europa, África y América. Un mundo cruel y corrupto, con mayor fortuna dependiendo del paralelo. Los matones son siempre los mismos, tienen formas más o menos similares, más allá de sus diferencias culturales: una cortesía de la fachada que oculta una violencia sin escrúpulos. Las sumas de dinero y las apuestas de poder son tales que la brutalidad es un recurso natural de estos depredadores. Y ahí en esa jungla, nuestro protagonista tiene mucho que decir. Alex Godman (War & Peace y Happy Valley), nacido en Gran Bretaña, es el único hijo varón, de un jefe de la mafia rusa exiliado, que interpreta Aleksey Serebryakov (The Method y Leviathan). El padre de Alex, es Dimitri Godman, uno de los mayores capos de la mafia rusa, el cual, fue expulsado junto a su clan, del negocio en Moscú, por su acérrimo rival y enemigo personal Vadim Kalyagin. Un papel que desarrolla el actor georgiano Merab Ninidze (The Americans, Deustchland 83 y el puente de los espías). Un odio que sigue inamovible y envenenado. Dimitri, vive como un rey Lear (en su exilio londinense), eso sí, con una cartera de dinero y oro muy grande. No tanto como todo, el que tuvo en su reinado. Su vástago, Alex, ha tratado de escapar de los lazos familiares entrando en los negocios como administrador de fondos de mercados emergentes sin usar ninguna de sus conexiones o dinero Godman.

 

Curiosamente, este clan familiar son de origen judío. Ya que el mismo tiene un empresa que gestiona acciones y patrimonios. En el fondo, un pequeño banco —que desafortunadamente— está siendo presa de la rumorología despectiva y comentarios espurios. Sobre la metodología que impone en la gestiones de los capitales. Se ha generado una alarma social, entre la gente guapa de la City, y los fondos extranjeros, que ponen su dinero en sus manos. Se ha orquestado una estrategia de deserción y salida de capitales salvaje. Todo para hacer daño, a él y su entorno familiar. Otro de los grandes atractivos de la serie, la madre y esposa de Dimitri; Osaka Godman. Una espléndida Maria Shukshina (American Daughter, Burnt by the Sun 2: Exodus y Dear Masha Berezina) y después, quedaría en un segundo plano, la hermana, un personaje que va de menos a más: la despreocupada hermana del clan, Katia Godman: una magnífica Faye Marsay, conocida, por su intervención, en la aclamada GOT y ahora mismo en cartelera con “El instante más oscuro 2017”. AG ha nacido para ser un príncipe, que muy pronto será rey. No en vano ha sido educado en las mejores universidades de Inglaterra y USA. Hay quienes dicen que Alex Godman nació con una “cuchara de plata en la boca y un pijama de bebé de Hermes”. Entre su familia exiliada, los matones alejados del hervidero ormetá. Reyes desterrados, viviendo en mansiones de emperadores (con un gusto, algo más cuestionable, por el exceso kitsch y las pasiones carnales).

Él, ha estado tratando desesperadamente de abandonar el pasado sombrío de su familia y los vínculos de la mafia detrás de él, pegándose a la vera de su novia Rebecca Harper, interpretada por la actriz Juliet Rylance (The Knick&Frances Ha). Desde el principio la serie muestra una tendencia a crear el contexto del inmortal The Godfather, en el exilio del caviar y el aroma a Dior. Empero, algo se conjura en la mente de nuestro protagonista; ese esbozo de la figura del chico universitario que quiere ser el rey de la famila. Un nuevo Michael Corleone, en el S.XXI, impregnado, —de una vis muy británica— como es la licencia para matar 007, desde un portátil Mc book Air. Sintiendo la obligación de tomar una decisión firme; entre el negocio familiar o el clan mafioso Godman. La seductora y cómoda vida del yupi banquero en la City de Londres. Al lado de su novia, pasando los fines de semana en el Caribe o Cerdeña. Relajado y tranquilo. Luego, eso de un banquero, que no quiere ser un gángster y de repente, se da cuenta que ya lo es. Es difícil de aceptar, pero Alex Godman tiene empaque y arrojo, para ser el candidato. A pesar, de esos trajes impecables a medida de Armani, Dior y Versace. Obviamente, hay un antes y un después en la psique de Alex Godman (James Norton).

El asesinato delante de sus narices, de su tío Boris, causa genera una mella con una mácula imborrable. Entra en un proceso de catarsis personal y familiar. Casualmente, antes de fallecer su tío, Boris Godman/David Dencik (“El topo”, “Homesman” “The Royal Affair”) le presenta a un singular empresario israelí, Semiyon Kleiman, un David Strathairn (Good Night&G.Luck, Lincoln, Billions) que borda su personaje —no recuerdo una mala interpretación de este pedazo de actor—, que está tratando de invertir en países de todo el mundo, en la República Checa, donde reinan los rusos, y cabecillas checos que controlan el negocio de las imitaciones de ropa y el tráfico de drogas en la bella Praga. Uno de los implicados, que tendrá un papel, relevante es Karel Benes (magnífico actor checo, Karel Roden, un todoterreno de las producciones de acción “Bourne supremacy, Rock&Rolla o Missing TV”). Pero, nos queda el océano Índico y ese gigante que emerge, con la fuerza de un volcán, llamado, India. Allí, dónde, la vieja Bombay, ahora Mumbay, es clave en la entrada de todo tipo de materias primas; trata de blancas, esclavos humanos y drogas a través de un vasto territorio. Allende, se evidencia la enorme brecha de una nueva clase rica, y la mayor de las pobrezas mundiales, escenificados en los conocidos Slumdog y el trepa intermediario —que quiere ser dueño del pastel del conducto mafioso— de un mediador en la agorofóbica Mumbai; Dilly Mahmoos.

Una de la grandes estrellas del cine Made in Bollywood, Nawazuddin Siddiqui. De portentoso carisma, que se hace de querer a la cámara, a primera vista. Es muy famoso por el film “Gangs of Wasseypur”. Por último, tendríamos al representante del cartel mexicano, Antonio Méndez, interpretado por un sorprendente actor brasileño (Caio Blat). Un tipo zaíno e imprevisible tras una máscara de latin lover encantador. McMafia, La serie rebusca y quiere trazar un bypass coronario en el corazón de este sistema transgénico, tomando como punto de partida, la actividad bancaria de Alex Godman, gracias a su gran trabajo y la garantía de un gran hombre de éxito en los negocios. Es este aspecto global, en donde los escritores quisieron presentar, a lo largo de esta historia, que tiene lugar en un escenario diferente: Tel-Aviv, Moscú, Praga, El Cairo o la Riviera francesa. En este maremágnum global, hay peces de todos los tamaños y colores. La cadena alimenticia suele estar muy cerca de la que existe en su estado primitivo. El tablero de ajedrez se convierte en una máquina tragaperras; pues esto es un juego llamado, sobrevivir. Todos los implicados tienen sus propias estratagemas, y evidentemente, todos han desarrollado destrezas para cualquier contingencia, de enfrentamiento caprichoso, dentro de un ecosistema brutal y despiadado. Los Gangsters son una especie más, de entre las otras, más peregrinas o indiferentes. Los motivos —que les atañen— no son tan distintos ni originales: Quieren riqueza y poder. Menos pistolas en público y mayor hackeo en la red.

No por ello, hay una tendencia al abandono del clásico trasfondo alimenticio (drogas, armas y prostitución), las actividades son mucho más variadas y se refieren a sectores más tradicionales. La diferencia es que uno excluye someterse a la legalidad porque va acompañado de menores ganancias e impone un control externo que los matones no pretenden sufrir. Por lo demás, las transacciones financieras se desmaterializan y llevan a cabo. Tal vez el tiempo de duques y reyes de los carteles, versus Pablo Escobar o Chapo Guzmán quedan en un espacio neutro y alejado. A pesar de que la praxis sigue siendo la misma y los métodos de adquisición, de las mercancías, igual de hostiles. La idea no es dejar la elección a aquel a quien le dará su dinero. El ambiente es el de la comunidad empresarial y no los barrios en ruinas de Palermo o Nápoles, como se observa, en esa obra maestra de la TV, que es Gomorra y tan genialmente, narra el señalado Roberto Saviano. McMafia implica la dictadura de los juguetes tecnológicos de Cupertino. Enormes discos duros, millones de bits en la nube virtual y criminal. De las nuevas mafias del S.XXI: las multinacionales de negocio inmobiliario y de ocio. Una diversificación, con las mismas herramientas de ese sistema que nos mueve, a todas las sociedades: el capitalismo puro y duro.

Aquí la miseria se mantiene a distancia, como si una de las prioridades de estos nuevos padrinos hubiera sido poner entre ellos y sus actividades la mayor cantidad posible de muros herméticos. No pueden ser alcanzados, nunca se enfrentan directamente con las consecuencias de sus actividades corruptoras y destructivas. Esto no facilita la compra de una buena conciencia, pero al menos tienen la satisfacción de nunca ensuciarse las manos. El conflicto psicológico es el que encierra Alex Godman que quiere ser un banquero, no un mafioso, siendo el heredero de una práctica mafiosa que pagó sus estudios en Harvard y le permitió el acceso a una posición de privilegiado intocable. El desafío es saber si puede escapar de lo que parece ser un destino para él. Y la gran pregunta; ¿Merece tanto la pena ese dinero y poder? Posiblemente, sí porque la familia es sagrada, su padre Dimitri, lo sabe bien y su contrincante el nuevo rey del Kremlin, Vadim Kalyagin, también. La familia, no me la toques —que no le falte el Dior y el Macbook Air— ,y ya nos vemos, cara a cara. La mirada de los ojos de tu enemigo enmascara una tragedia griega. No lo duden. Nota: 7,9

 

BorgVsMcEnroe (2017) “Tenis de Rock stars”

 

En 1980, el mundo del tenis era revolucionado por un joven de cabellos largos rubios, y de ojos azules, como el mar del Norte: Björn Borg. Con apenas 24 años, de edad, había ganado el torneo de Wimbledon en cuatro ocasiones, manteniendo un altísimo nivel que lo posicionó como el número uno en el ranking mundial durante años posteriores. Pues, Borg, se retiró del tenis con 27 años, sorprendiendo a propios y extraños. Una inexpresividad inimitable en la cancha, y una flema estoica, que mantenía juego a juego, set a set. Algo que terminó por aceptar, en el mundo deportivo, con el apodo de “Iceman” (El hombre de hielo). Sin embargo, en plena cúspide, veía la amenaza de su reinado; en el físico de un nuevo talento, que llegaba de la inquieta Norteamérica: el joven rebelde neoyorkino, de 21 años, llamado John Patrick McEnroe. Proponiendo un estilo de juego agresivo —bien trabajado— adherido a un imprevisible temperamento, que lo habían llevado a ganar un gran número de torneos Top del circuito profesional. Obviamente, el encuentro entre ambos titanes era inevitable, y, coincidieron en aquella mítica final del torneo de la hierba de Wimbledon en 1980. Aquella final quedó para los anales de la historia, como el partido del siglo. Todo un acontecimiento mediático, tan impactante como los JJ.OO de los Ángeles 1984 o la final de fútbol en Múnich de 1974, entre AlemaniaVsHolanda. El danés Janus Metz debuta como director en la pantalla grande (venía con la vitola de gran realizador de documentales, “Armadillo” 2010 o el rodaje de en la serie de culto “True Detective” de HBO) con una película, en la cual, más que centrarse en la rivalidad de los personajes, realiza un intento de presentación biográfica de ambos. Haciendo mayor énfasis en la vida de Borg —algo que se comprende, cuando los productores de este film son suecos al 100%— introduciendo, diversos flashbacks, donde  observaremos sendos itinerarios hacia el éxito. Un recorrido que ahonda en las relaciones familiares, arduos entrenamientos y sucesos relevantes, de los cuales, se intentarán explicar el origen de muchas de las manías del tenista sueco, y por ende, la impulsividad del estadounidense.

 

 

Todo ello lleva un proceso de encadenamiento, a medida, que el torneo va avanzando en sus respectivos partidos y un objetivo, en mente: la final. Quinto torneo de Wimbledon para Borg o primero para McEnroe. A pesar, de algunas lagunas, de la narración, suplidas por un excelente montaje; las historias se muestran de forma descompensada. Sin embargo mantiene al espectador atento a la pantalla, a la espera de respuestas. La primera cómo el adolescente Borg llega a convertirse en un jugador impasible y demoledor. El témpano de hielo, y algunos de sus golpes con la raqueta; son dignos de estudio para los aspirantes en este deporte. De igual modo, veremos la volatilidad y explosividad del temperamento del aspirante al título McEnroe. Precisando, en alguna, de esas lagunas, del film, pues siendo francos, la cinta no aporta nada nuevo en lo que se refiere a películas del género deportivo. No obstante, se aprecian determinados indicios de una naturaleza larvada, en los protagonistas del match, en una psique no terminada de releer, por el buen material que esgrimen ambos jugadores (aunque pareciera que ese fue el objetivo del cineasta danés). No obstante, el film se compensa, por el gran acierto de Metz, de haber aprovechado, el escenario que se le brinda. El rodaje de uno de los partidos más mediáticos del tenis como referencia principal, alcanza momentos de éxtasis, esencialmente, en su último tramo, pleno de emoción y suspense. Brillante reproducción del enfrentamiento entre ambos personajes. La actuación más destacada de la película es sin duda la de Shia LaBeouf, quien retoma el buen camino y continúa con la línea trazada desde el año pasado con “American Honey”(2016), volviendo a elegir, un papel, ciertamente  más que prescrito, para él. A pesar de ser un poco mayor, para la ocasión, pero su talento supera la carencia del parecido físico. Gracias a la magnífica caracterización de John McEnroe —personaje— con el cual, sin duda, tiene bastante en común —por lo que a temperamento se refiere— y emula casi a la perfección. Su contraparte, el sueco Sverrir Gudnason, también resulta ser bastante convincente al encarnar al inmutable y de hermoso físico, Björn Borg, en pleno estrellato. Completa el reparto Stellan Skarsgård, el padre del clan Skarsgård—que ha creado una camada/clan de actores, que están en en todas la agendas de ficción Made in Hollywood—, el cual, como nos tiene acostumbrado borda su trabajo, en el papel de Lennart Bergelin, aquel tipo duro y estricto entrenador de Borg.

 

 

Incluso, dejando a un lado, todas esas imperfecciones, propias de un debutante en un largo. Metz viene de una escuela, como la danesa donde se trabaja muy bien a sus alumnos. El film se hace imprescindible para todos los aficionados al tenis y todos aquellos, que algún modo, recuerdan momentos de dos tenistas sui generis. Y es que, seguramente, muchos de Uds., no van a salir de la sala oscura, decepcionados. Todo lo contrario, pues el proceso de dramatización del partido y el juego es muy bueno. A través de los insertos de material original y el apoyo digital, el público podrá observar, a lo largo del camino, a otras viejas glorias de este deporte, caso de Jimmy Connors y Peter Fleming.  Empero, de aquellos que desconozcan, los verdaderos acontecimientos que lo inspiran quedarán satisfechos al ver un filme muy bien realizado y con buenas actuaciones que será capaz de engancharlos con una de las rivalidades más grandes en la historia del deporte. Si este último fuera el caso; la sugerencia es no indagar más acerca del resultado del partido y dejar que las imágenes de la película, no siguen un preciso orden cronológico, en el sentido que hay continuos flashbacks entre pasado y presente. Arrancamos con una imagen de 1980 y luego se vuelve atrás a otros torneos precedentes, los dos se encontraron por la primera vez en Estocolmo 1978. Dos tenistas que fueron niños extraños o fascinantes. En particular, el Borg adolescente, que es interpretado —extraordinariamente bien— por el hijo del auténtico BB, Leo Borg, a día de hoy, uno de los mejores tenistas junior del circuito. Su parecido físico con su padre es incuestionable. Metz lo recoge al principio del film, cuando se inició en el juego, mientras golpeaba la bola contra la puerta del garaje de su casa y soñaba con vencer en Wimbledon. También el pequeño McEnroe, el actor que hace de pequeño (Jackson Gann, magnífico), tiene un gran parecido, mucho mayor que el del propio, LaBeouf ya de veinteañero. La película muestra una época—irrepetible— donde, los tenistas fueron como estrellas del rock: llevaban el pelo largo, un look rebuscado pero no muy recargado, se divirtieron, en las mejores discotecas y partys privados de las grandes ciudades del circuito: New York, Londres, Paris o Roma. Fiestas hasta el alba, seguidos, por un sequito de fans, groupies, bailarinas, guardaespaldas y cantamañanas que vivían de la adulación.

 

 

Bacanales donde solía estar el norteamericano —que siempre fue amigo de todos— y estaba en todos los saraos; Vitas Gerulaitis. El propio Borg convivía con la tenista rumana Mariana Simionescu, (interpretada por Tuva Novotny), tiene un papel motivador y cuasi, maternal, en la relación con su futuro esposo, sueco. Borg, se casó con Mariana en 1980 y tras divorciarse de ella, en 1989, contrajo matrimonio con la cantante italiana; Loredana Berté. Antigua novia del italiano, Adriano Panatta. Ese periodo, entre  Borg y Berté, está dando que hablar, tras la publicación de unas memorias, por parte de la cantante. De igual modo, John McEnroe terminó casándose con la conflictiva actriz Tatum O’Neal. Así como otro de los últimos de aquella época, el campeón americano, André Agassi que se casó con la actriz Brooke Shields. Evidentemente, de Borg se puede decir que quizás fuera la última estrella del Rock del tenis. Una lámpara mágica de hacer dinero. Lo mismo, ocurrió con McEnroe. El personaje, en el hotel, con su camiseta de los Ramones y su sempiterno Walkman —dice mucho—, de su pasión por el Rock. Ambos fueron pioneros en el negocio de la publicidad de todo tipo consumo, y generadores del merchandising, alrededor de este deporte. Los tenistas de hoy, también los grandes campeones, también son máquinas de hacer dinero. No obstante, nunca alcanzarán el halo de romanticismo de Stars of Rock. La personalidad tan arrebatadora y una época, en la que, las prohibiciones eran de otro color. Los Nadal, Federer, Djokovic, Murray, Wawrinka y etcétera son extraordinarios deportistas. Grandes tenistas, pero sólo eso. En cambio, personajes como Borg y McEnroe, Vitas Gerulaitis, en la película interpretada por Robert Emms y Jimmy Connors, Adriano Panatta e Ilie Nastase, Guillermo Vilas y sus princesas de Mónaco, sólo vivieron una vez, en una época divina. Todos ellos fueron protagonistas de encuentros memorables. Puede que el film, quiera transmitir la máxima de esa frase de la autobiografía de André Agassi; “El tenis utiliza el lenguaje de la vida: ventaja, servicio, error, ruptura, amor, porque cada partido es una vida en miniatura.” Es evidente, que en Inglaterra le llaman el deporte de caballeros, pero algo como dos tíos en pantalón corto, dándole a una pelota por encima de una red.

 

Hay algo más, claro que lo hay; el tenis es el deporte solitario por excelencia, se juega solo contra el resto del mundo, a lo sumo en dos en dobles, y además de la técnica, también cuentan otros factores, muy importantes, la fuerza mental y psicofísica. Borg, como deportista y tenista pluscuamperfecto fue más allá de cada imaginación, con sus rituales frenéticos, las afinaciones corridas, con sus pies descalzos, caminando por encima de sus raquetas Donnay de madera, y analizando la tensión de las cuerdas; antes de cada partido en el hotel de turno. Al contrario, McEnroe dibujó sobre los muros de los hoteles los tableros de los torneos donde participó. Y convirtió, su estrategia, en pura cábala aritmética. Al igual, que sus largas conferencias con su padre y mentor (Ian Blackman) “el papá ejecutivo McEnroe Senior”. Un tipo ultracompetitivo y que le inculcó la voluntad de no caer en la derrota: lucha por tu orgullo, eres un McEnroe.  Metz se examina en el nudo del film, cuando se llega a la final e involucra todo tipo de artificios para hacer que el partido sea interesante. Desde la BSO, muy bien introducida, electrónica neutra que denota en sus notas la sensación de angustia, en ambos contendientes, obra de Vladislav Delay y Jonas Struck.  Así como, la ventaja de la cámara creativa y comentarios del locutor hiperbólicos, de un comentarista, muy partidista por el Adonis sueco. El montaje está muy bien hilvanado y la   una tensión en la pista central de la catedral del tenis de hierba se palpa en la pantalla. Independientemente, sepas o no el resultado final del encuentro. El reloj está roto. Se solapan los juegos con la tecnología digital. Metz captura aquellos años con un gran trabajo de iluminación y un buen equipo artístico: los bloques de colores estilo Mondrian de la cancha de tenis; la paleta saturada y sintética de los años setenta y principios de los ochenta, impecable el trabajo del operador de cámara, Niels Thastum,. Empero, las interpretaciones llevan la película y el partido —a modo de Odisea— a la gloria. LaBeouf trasmite el aislamiento y la soledad, en la pista, en aquel momento de McEnroe. Sus chispazos de petulante adolescente contra el árbitro y enfrente, la leyenda un Gudnason muy notable. Todo el mundo, alucinaba en la sala con el parecido de este actor y el célebre tenista sueco. Éste, logra combinar una agitación interior con un comportamiento tan impasible como un marcador en blanco.

 

 

Pero la verdadera razón por la que observamos —con ahínco— es mucho más simple que eso: Metz y su elenco nos han hecho preocuparnos tanto por Borg como por McEnroe en este momento. Extrañamente, sus personalidades parecen desaparecer en la propia corte de Wimbledon, y los resultados son una especie de comunión íntima entre los dos, en la que nuestro respeto por cada uno, y a la vez, el de ellos, con el resto del público cada vez es más profundo. Metz no tiene el oficio de Howard, que oficializa en su Rush, toda la rivalidad con la mayor inquina humana. El odio a muerte entre James Hunt y Nikki Lauda en la Fórmula 1, es deslumbrante y trágica. Donde todo tuvo un final desgraciado en el circuito de Spa Bélgica; Lauda, a punto de fallecer, y con secuelas físicas de por vida en el tremendo accidente de Bélgica y Hunt, retirado de las carreras con muchos problemas personales, falleció a 43 años por un infarto de miocardio. Esto es Wimbledon, la rivalidad es admiración por el contrario. McEnroe sabría que muy pronto reinaría y Wimbledon se doblegaría a su juego. Esa secuencia, donde se cambian de zona de saque; es magnífica. Cuando Borg, en el pasillo lateral de campo, le dice al adversario;”— no te preocupes, en el fondo, sólo es un partido de tenis”. Y parece ser real, porque al principio del film, se deja muy claro que toda la historia está basada en hechos reales. Metz entiende que esto es algo entre caballeros y de ahí su toque Gentleman. Todo termina, y la vida de estos deportistas es, en fondo, entrenamiento y aviones. Después, de 14 encuentros entre ambos… Como en Casablanca, puede que fuera el principio, de algo más intenso, que ser el mejor. BorgvsMcEnroe es un film que deja muy buen sabor de boca. Un film que es un homenaje a unos campeones irrepetibles. Un tiempo donde los hombres se vestían de corto blanco y por la noche se convertían en superstars del Rock. Nota:7,2

 

Top 10 álbumes de 2017

1. Robert Plant “Carry Fire”

 

2. The National “Sleep Well Beast”

 

 

 

3. Neil Young “Hitchhiker”

 

4. Brand New  “Science Fiction”

 

 

5. Van Morrison “Versatile”

 

 

 

6. Lana del Rey “Lust for Life”

 

 

 

7. St. Vicent “Masseduction”

 

 

8. American Dream “LCD Soundsystem”

 

 

 

9. Sheer Mag Need “to Feel Your Love”

 

 

10. Wolf Alice “Visions of a Life”

 

Los mejores films de 2017

  1. “Three Billboard Outside” Ebbing, Missouri

 

  1. You Were Never Really Here

 

3.Wind River

 

 

 

4. Z. La ciudad perdida

5. Dunkerque

6.The Florida Project

 

 

7.Good Times

8. Logan Lucky

 

 

9.The Nile Hilton Incident

 

 

10.The Disaster Artist

Las mejores series estrenadas en 2017

1. The handmaid´s tale

 

2. Godless

 

3. Mindhunter

 

 

4.The Sinner

 

 

5. Umbre

 

6 Feud

 

 

7. Manhunt: Unabomber

 

8. The Deuce

 

9. Ozark

 

10.Taboo

 

 

11. Pustina

 

 

12. Cardinal

 

 

 

13. American Gods 

 

14. Big Little lies

 

15. Fauda

 

16. Sorjonen

17. Glow

 

 

18. Snowfall

 

19.The Punisher

 

20. Sneaky Pete 

21. Alias Grace

22. Rellik

 

23. Valkiryen

 

24. Mary Kills People

 

25. Philip K. Dick’s Electric Dreams

 

 

Pustina (2016) El pozo de Havel

Una de las grandes sorpresas de este año viene desde las atractivas y misteriosas tierras marcómanas; la actual República de Chequia. Pustina (2016) en un producto HBO, con la excepcional factura, marca de la casa. El canal hace unos cuantos años que comenzó su implantación logística; entre Polonia, Chequia y Rumania. Por citar algunos de los países que comprenden el nudo mayúsculo de este proyecto. Donde reivindicamos algunas series exitosas y desconocidas para el gran público, caso de la rumana Umbre (2014), o la polaca Wataha (2014). Un humus que rebosa creatividad en pleno centro de Europa, que está dando savia fresca al siempre exigente público de las ficciones HBO. Pustina tiene detrás a un joven equipo —al 100% Made in Chequia— avalado por la cineasta Agnieszka Holland. Una directora que dejó su buen oficio en series tan míticas como The Wire (2002) o Treme (2010). Su condición y reputación de realizadora polaca todo terreno y de sublime sensibilidad, le llevó a filmar lo que sería la antesala de Pustina, en la mismísima Chequia: “Horící ker” (2013) una miniserie de tres episodios, sobre el affaire Jan Palach, en la Primavera de Praga. Comento estos antecedentes para comprender, un poco más, el detritus que inunda el proyecto de Septan Hulik y la dirección de Alice Nellis & Ivan Zachariás. ¿Qué es Pustina? Lo esencial, sería empezar por la definición de la palabra… Vendría a ser, algo así, como un páramo o desierto abandonado. Afinando la gramática, quedaría mucho mejor el término tierra yerma o baldía. Tampoco hay que ir a Harvard para darse cuenta que, para HBO en USA, ya viene editada con el término anglosajón, “Wasteland” (2016). Sí que es cierto, que la pequeña villa de Pustina es un lugar fronterizo entre la Silesia polaca y el linde checo más septentrional. Podría ser una aldea del territorio de Ostrava

 

 

Dijo una vez, el talentoso político checo, Václav Havel; “Estoy solo con el dolor y no tengo más remedio que saborearlo hasta el fondo. He estado cerca de la desesperación.” Esta frase —que es una metáfora de su lucha—, y resistencia, a lo largo de su vida, es parte de la propia idiosincrasia de un pueblo liberal como es Chequia. De algún modo, sería el leitmotiv de esta magnífica serie. Pustina (2016) es un drama de 8 episodios, solapado en un brillante thriller policíaco centroeuropeo, ambientado en el pueblo minero, que da nombre a la propia serie. Pustina se halla circundada en un espinoso dilema; ceder las tierras y casas donde han vivido toda su vida, a cambio de la obtención de una atractiva oferta económica, por parte de la nueva empresa que explota el carbón del territorio, o resistir con lo puesto. El nuevo conglomerado moderno que gestiona la turba era en el pasado una propiedad más del viejo estado comunista. El debate tiene los ánimos más que caldeados entre los habitantes del lugar y la alcaldesa Hanna Sirikorova, una inmensa (Zuzana Stivínová). La decisión, aparentemente parece fácil, en un pequeño pueblo, donde la pobreza y desempleo hace mella. Es muy interesante como se introduce el viejo y cansino debate del viejo modelo comunista y el nuevo capitalismo. Los posicionamientos de quienes no quieren ir con la nueva política gubernamental del gobierno —de favorecer la viabilidad del modelo productivo privado— y finiquitar la historia de un lugar imperecedero en el tiempo. Modelos contrapuestos, y viejas reyertas del pasado, se observan entre la cotidianidad vecinal, donde el reclamo del viejo modelo controlador y dictatorial comunista, choca con quienes han encontrado un nueva salida a su pobreza, en la posibilidades de la voracidad del libre mercado. Esa definición tan prosaica y jocosa, el pelotazo fácil, en la burbuja inmobiliaria. Es obvio, que la población de Pustina tiene derecho a una oportunidad de prosperar. ¿Pero no todo vale? La discusión está en el aire. El ambiente respira, el efluvio de la confrontación perpetua.

 

Desde la taberna, a los paseos, de una casa a otra, desde la panadería, hasta la recogida de los niños, en la guardería de la propia alcaldesa, Hana. El runrún está suspendido en las mentes de los habitantes de la villa. La disyuntiva se hace mayor en una de las últimas votaciones del pleno consistorial. Hana Sikorova busca, entre sus acólitos, y no tan cercanos, el voto de confianza para detener la expropiación, individualizada de las viviendas, por parte de la hullera. En un intento desesperado, apelando a la nostalgia y el orgullo de un viejo pueblo trabajador. Poniendo, todo su corazón, para demorar la respuesta, y riesgo personal por conseguir un frenazo a las ventas de las propiedades vecinales. Una incansable búsqueda de oxígeno que relaje la tensión de la comarca. Pero cada día que pasa la situación es más insostenible. En Pustina, el elemento climatológico y el carácter rural de las gentes —que habitan estas tierras—, no facilitan la honestidad. Además, el dinero cada día se persona y avisa que no está para más esperas. En esa burbuja tan hostil, se cuela una fatídica noticia, que cae como un carámbano de enero, en la boca del estómago de Hanna. Su hija pequeña ha desaparecido. Una pequeña adolescente muy sui generis. Es cuando, nos encontramos con el ex marido de Hana, Karel Zikorova. En un papel de Globo de Oro, el actor Jaroslav Dusek, nos brinda una colosal interpretación. Profesor del instituto de secundaria, ahora prejubilado, tras un ataque de locura y diagnosticado de una compleja enfermedad mental. La investigación se pone en marcha y toma las riendas otro magnífico personaje, de esta ficción, el capitán de la policía criminal, Rajner, Un tipo duro, convincente y muy bien interpretado por el actor, Leos Noha. Le dan un empaque a esta angustiosa historia que convive entre los misterios de la primitiva Twin Peaks (1990) y la atmósfera exasperada de True Detective (2014) de Pizzolatto, hasta ese existencialismo reservado de la ficción policiaca nórdica de Forbrydelsen (2009).

 

Pustina es un ejercicio arriesgado de combinación creativa, entre un brillante guion, basado en una realidad actual, como es la propia historia de Chequia, de hace 27 años: la amada Checoslovaquia de V. Havel. Y una dirección artesanal —que nos retrotrae— a aquel cine de mediados y finales de los 60 Made in Checoslovaquia. Pustina es una historia compleja —que debajo de algunas subtramas adolescentes, de amigos, colegio, drogas, reformatorios y familias— propia del modus operandi de investigación, en casos de niñas-os desaparecidas, vista en algunas otras producciones. Pustina oculta el aliento y revela evidencias a fuego lento. Espolvorea la miga, dejándola, a la mitad de su tamaño. Indagando su verdadero propósito y urdimbre. Esta historia del crimen es puro tejido conectivo que adviene los factores del misterio y el suspense más canónicos. Una pequeña pieza, done la historia le da un toque personal, como condimento. Sirve como excusa para entrar en la intimidad de todo el pueblo: cada casa, habitaciones y hasta los rincones más oscuros de su psique. La propia Pustina nos da todas las suposiciones y preferencias, a fin de interpretar conclusiones personales, intentando sacar el abatimiento del espectador. Pues el foco, también incluye el otro lado del LCD. Es decir; los mismos pecados expiados, una y otra vez, por ese animal equivoco y complejo, llamado, humano. La verdadera razón de ese lugar húmedo, gélido, oscuro y frío, no es otra, que el tiempo en un espejo. Ese humano, es un inocente lobo, víctima de la bipolaridad del propio hombre lobo depredador, donde cada individuo es dueño para sí mismo y de sus propios intereses. Donde come el gran pequeño, donde todo tiene un precio y nada es sagrado. No hay ninguna empatía, ayuda, solidaridad, y cuando la hay: rezuma un aroma tan hipócrita y falso que tira para atrás. Y es que en Pustina, todos estamos dentro de un pozo. El mismo pozo, al que el mismísimo V. Havel definió así: “A veces se necesita tocar el fondo de la miseria para poder entender la verdad, igual que hay que lanzarse hasta el fondo del pozo para llegar a ver las estrellas.”. En Pustina, la noche es tan oscura, que nunca se ven estrellas en el cielo. Nota: 8,6